Listado de películas por Década.

Por un problema con los links, aquí solo encontrarán la lista de los films reseñados en este sitio. Si quieren leer una reseña en particular, por favor recurrir a la herramienta de búsqueda del blog o al sistema de etiquetas.

Gracias.

1920-1929
Häxan (1922)
Faust (1926)

1930-1939
The Most Dangerous Game (1932)
The Thin Man (1934)
The Black Cat (1934)
39 Steps (1935)
The Devil-Doll (1936)
Think Fast, Mr. Moto (1937)
Thank You, Mr. Moto (1937)
The Lady Vanishes (1938)

1940-1949
The Maltese Falcon (1941)
Cat People (1942)
Saboteur (1942)
Shadow Of A Doubt (1943)
Gaslight (1944)
Lifeboat (1944)
Ministry of Fear (1944)
Arsenic And Old Lace (1944)
The Curse Of Cat People (1944)
Laura (1944)
Murder, My Sweet (1944)
The Woman In The Window (1944)
Spellbound (1945)
The Body Snatcher (1945)
Dragonwyck (1946)
It´s a Wonderful Life (1946)
Bedlam (1946)
Shock (1946)
The Stranger (1946)
The Dark Corner (1946)
The Lady From Shangai (1947)
Miracle On 34th Street (1947)
The Ghost and Mrs. Muir (1947)
Out of the Past (1947)
Crossfire (1947)
Lady in the Lake (1947)
The Paradine Case (1947)
The Street With No Name (1948)
The Big Clock (1948)
Rope (1948)
The Boy With Green Hair (1948)
Berlin Express (1948)
Whirlpool (1949)
Kind Hearts and Coronets (1949)

1950-1959
Winchester 73 (1950)
Stage Fright (1950)
Panic In The Streets (1950)
The Thing From Another World (1951)
The Day The Earth Stood Still (1951)
The Man From Planet X (1951)
Decision Before Dawn (1951)
The Man in the White Suit (1951)
Five (1951)
Strangers on a Train (1951)
I Confess (1952)
5 Fingers (1952)
Singin´ In The Rain (1952)
The Narrow Margin (1952)
The War Of The Worlds (1953)
It Came From Outer Space (1953)
The Beast From 20,000 Fathoms (1953)
Les Vacances de M. Hulot (1953)
Houdini (1953)
The Big Heat (1953)
Dial M For Murder (1954)
To Catch A Thief (1955)
Ensayo De Un Crimen (1955)
The Night Of The Hunter (1955)
Bad Day At Black Rock (1955)
The Man With The Golden Arm (1955)
The Quatermass Xperiment (1955)
The Trouble With Harry (1955)
Tarántula (1955)
I Vampiri (1956)
The Killing (1956)
Forbidden Planet (1956)
Le Ballon Rouge (1956)
The Blob (1956)
Invasion of the Body Snatchers (1956)
Bob le Flambeur (1956)
The Abominable Snowman (1957)
12 Angry Men (1957)
The Curse Of Frankenstein (1957)
The Incredible Shrinking Man (1957)
Quatermass 2 (1957)
Witness for the Prosecution (1957)
The Giant Claw (1957)
El Cebo (1958)
The 7th Voyage of Sinbad (1958)
Vértigo (1958)
Horror of Dracula (1958)
Plan 9 From Outer Space (1959)
Compulsion (1959)
The Hound Of The Baskervilles (1959)
North by Northwest (1959)
Caltiki, Il mostro Immortale (1959)
The Brain That Wouldn´t Die (1959)
Santa Claus (1959)

1960-1969
The Thousand Eyes of Dr. Mabuse (1960)
The Brides Of Dracula (1960)
Shoot the Piano Player (1960)
The Angry Red Planet (1960)
Midnight Lace (1960)
Peeping Tom (1960)
Mill of the Stone Women (1960)
Two Faces of Dr. Jekyll (1960)
Le Trou aka La Evasión (1960)
Fantasmi a Roma (1961)
The Pit and the Pendulum (1961)
The Curse of the Werewolf (1961)
Homicidal (1961)
One, Two, Three (1961)
Premature Burial (1962)
King King Vs Godzilla (1962)
Knife in the Water (1962)
The Phantom Of The Opera (1962)
La Commare Secca (1962)
Dr. No (1962)
Carnival of Souls (1962)
Captain Clegg aka “Night Creatures” (1962)
To Kill A Mockingbird (1962)
Panic In Year Zero! (1962)
Die Tur Mit Den 7 Schlossern aka The Door With The 7 Locks (1962)
The Pirates of Blood River (1962)
The Cabinet of Caligari (1962)
Kiss Of The Vampire (1963)
The Great Escape (1963)
The Raven (1963)
Charade (1963)
The Girl Who Knew Too Much (1963)
Black Sabbath (1963)
Jason And The Argonauts (1963)
From Rusia With Love (1963)
The Birds (1963)
Paranoiac (1963)
I Mostri aka Opiate ´67 (1963)
Man With The X-Ray Eyes (1963)
Twice Told Tales (1963)
The List of Adrian Messenger (1963)
Santo en el Museo de Cera (1963)
Das indische Tuch aka The Indian Scarf aka El Pañuelo Asesino (1963)
Goldfinger (1964)
The Killers (1964)
The Masque Of The Red Death (1964)
Sei Donne Per L´assassino (1964)
Strait-Jacket (1964)
The Tomb Of Ligeia (1964)
The Third Secret (1964)
Von Ryan´s Express (1964)
Lady in a Cage (1964)
Marnie (1964)
A Fistful of Dollars (1964)
Der Hexer (1964)
The Earth Dies Screaming (1964)
The Flowers and the Angry Waves (1964)
The Secret Invasion (1964)
The Comedy Of Terrors (1964)
Fantomas (1964)
Nightmare (1964)
The Evil of Frankenstein (1964)
The Gorgon (1964)
Zimmer 13 aka El Misterio Del Cuarto Número 13(1964)
Pierot Le Fou (1965)
El Encapuchado aka The Sinister Monk (1965)
The Hill (1965)
Dr. Terror´s House of Horrors (1965)
Thunderball (1965)
For A Few Dollars More (1965)
The Cincinnati Kid (1965)
Bunny Lake is Missing (1965)
The Ipcress File (1965)
The Nanny (1965)
The Face of Fu Manchu (1965)
Operation Crossbow (1965)
Rasputin, the Mad Monk (1966)
Island of Terror (1966)
The Good, the Bad, and the Ugly (1966)
Batman: The Movie (1966)
Torn Curtain (1966)
Blow-Up (1966)
Tokyo Drifter (1966)
One Million Years B. C. (1966)
The Witches (1966)
Cul-de-Sac (1966)
Queen of Blood (1966)
Funeral in Berlin (1966)
I Deal in Danger (1966)
Der Bucklige von Soho aka The Hunchback of Soho (1966)
Im Banne des Unheimlichen aka La Marca del Escorpión (1967)
Torture Garden (1967)
The Fearless Vampire Killers (1967)
Guess Who´s Coming to Dinner (1967)
The Trip (1967)
The Dirty Dozen (1967)
The Night of the Big Heat (1967)
You Only Live Twice (1967)
Quatermass and the Pit (1967)
Theatre Of Death (1967)
Der Mönch mit der Peitsche aka College Girls Murders (1967)
 "Se sei vivo spara" aka "Django Kill... If You Live, Shoot!" (1967)
The Devil Rides Out (1968)
Danger Diabolik (1968)
Planet Of The Apes (1968)
Dracula Has Risen From The Grave (1968)
Fando y Lis (1968)
Night of the Living Dead (1968)
Bullitt (1968)
Rosemary´s Baby (1968)
Hols: Prince of the Sun (1968)
The Odd Couple (1968)
The Mercenaries aka Dark of the Sun (1968)
Topaz (1969)
The Oblong Box (1969)
Gli Specialisti (1969)
Django il bastardo aka Strangers Gundown (1969)
On Her Majesty`s Secret Service (1969)

1970-1979
Il rosso segno della follia aka Hatchet for the Honeymoon (1970)
The Man Who Haunted Himself (1970)
The Bird With The Crystal Plumage (1970)
Scream and Scream Again (1970)
Cry Of The Banshee (1970)
Violent City aka The Family (1970)
Taste the Blood of Dracula (1970)
Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970)
Santa Claus Is Comin´ To Town (1970)
Vanishing Point (1971)
The Night Evelyn Came Out of the Grave (1971)
The Mephisto Waltz (1971)
Straw Dogs (1971)
Duel (1971)
Cat´O Nine Tails (1972)
Dirty Harry (1971)
The Beguiled (1971)
Murders in the Rue Morgue (1971)
Malpertuis (1971)
La Coda Dello Scorpione (aka Case of the Scorpion´s Tail) (1971)
The Abominable Dr. Phibes (1971)
Klute (1971)
The Big Boss (1971)
Short Night of Glass Dolls (1971)
Blood From the Mummy´s Tomb (1971)
Hands of the Ripper (1971)
The House That Dripped Blood (1971)
Dr. Phibes Rises Again (1972)
The Getaway (1972)
Fist of Fury aka The Chinese Connection (1972)
The Other (1972)
Lone Wolf And Cub: Sword Of Vengance (1972)
Dracula A.D. 1972 (1972)
Tales From The Crypt (1972)
Sleuth (1972)
Lisa and the Devil / The House of Exorcism (1972)
State Of Siege (1972)
Hanzo the Razor: Sword of Justice (1972)
The Eiger Sanction (1972)
Knife Of Ice aka Detrás Del Silencio (1972)
Vampire Circus (1972)
Fear in the Night (1972)
Santo vs La Hija de Frankestein (1972)
Fritz the Cat (1972)
The Way of the Dragon (1972)
Across 110th Street (1972)
Sitting Target (1972)
Tutti i colori del buio aka All The Colors Of The Dark (1972)
La Dama Rossa Uccide Sette Volte aka The Red Queen Kills Seven Times (1972)
Asylum (1972)
The Hot Rock (1972) 
Don´t Look Now (1973)
The Exorcist (1973)
Pánico En El Transiberiano (1973)
Scorpio (1973)
Theatre Of Blood (1973)
High Plains Drifter (1973)
Soylent Green (1973)
The Wicker Man (1973)
Enter The Dragon (1973)
Sisters (1973)
Amarcord (1973)
The Holy Mountain (1973)
Tony Arzenta aka Big Guns (1973)
Le grande bouffe aka La Gran Comilona (1973)
Westworld (1973)
Nothing But The Night (1973)
The Sting (1973)
Night Watch (1973) 
I corpi presentano tracce di violenza carnale aka Torso (1973)
Madhouse (1974)
Cani Arrabbiati  aka Kidnapped (1974)
L´oumo Senza Memoria (1974)
The Street Fighter (1974)
Young Frankenstein (1974)
Bring Me The Head of Alfredo Garcia (1974)
Las Garras de Lorelei (1974)
The Taking of Pelham One Two Three (1974)
Ransom aka The Terrorists (1974)
Deep Red (1975)
The Killing Machine (1975)
Nude per l´assassino aka Strip Nude For Your Killer (1975)
Il medaglione insanguinato aka The Night Child (1975)
Grizzly (1976)
The Omen (1976)
Roma A Mano Armada (1976)
¿Quién Puede Matar A Un Niño? (1976)
Assault On Precinct 13 (1976)
Family Plot (1976)
L´Aile ou la Cuisse aka Muslo o Pechuga (1976)
The Outlaw Josey Wales (1976
L`alpagueur aka El Cazador de Hombres (1976)
The Enforcer (1976)
The Sentinel (1977)
Suspiria (1977)
Demon Seed (1977)
Telefon (1977)
The Gauntlet (1977)
Death On The Nile (1978)
The 36th Chamber Of Shaolin (1978)
Una Mariposa Sobre La Espalda (1978)
Piranha (1978)
Someone´s Watching Me! (1978)
The Shout (1978)
The Fury (1978)
Heroes Of The East (1979)
Life Of Brian (1979)
El Castillo De Cagliostro (1979)
Zombie 2 (1979)
The First Great Train Robbery (1979)
Mad Max (1979)


1980-1989
Inferno (1980)
The Changeling (1980)
Macabre (1980)
The Final Countdown (1980)
Incubo sulla città contaminata aka Nightmare City (1980)
Outland (1981)
The Howling (1981)
Escape From New York (1981)
Scanners (1981)
The Burning (1981)
Dead And Buried (1981)
Escape to Victory (1981)
The Professional (1981)
The Hand (1981)
Happy Birthday To Me (1981)
Eyewitness (1981)
Wolfen (1981)
An American Werewolf in London (1981)
Fort Apache, The Bronx (1981)
Tron (1982)
First Blood (1982)
The Snowman (1982)
Evil Under The Sun (1982)
The Entity (1982)
The Thing (1982)
Basket Case (1982)
Creepshow (1982)
Missing (1982)
Poltergeist (1982)
The New York Ripper (1982)
Deathtrap (1982)
Videodrome (1983)
Gorky Park (1983)
Streets of Fire (1984)
The Ghostbusters (1984)
The Terminator (1984)
Macross: Do You Remember Love? (1984)
Silent Night, Deadly Night (1984)
The Last Starfighter (1984)
Phenomena (1985)
Re-Animator (1985)
Police Story (1985)
Lifeforce (1985)
The Holcroft Covenant (1985)
Hold-Up (1985)
Blue Velvet (1986)
The Name Of The Rose (1986)
The Hitcher (1986)
¿Quién es el Onceavo Pasajero? aka They Were Eleven (1986)
Manhunter (1986)
Aliens (1986)
Angel Heart (1987)
Prince of Darkness (1987)
Tras El Cristal (1987)
The Monster Squad (1987)
Bad Taste (1987)
Deliria aka Stage Fright (1987)
My Best Friend is a Vampire (1987)
Near Dark (1987)
The Believers (1987)
The Grave Of The Fireflies (1988)
Mi Vecino Totoro (1988)
Cinema Paradiso (1988)
Scrooged (1988)
Akira (1988)
Demon City (1988)
Without A Clue (1988)
Monkey Shines (1988)
Santa Sangre (1989)
Laurin (1989)
Meet The Feebles (1989)
National Lampoon´s Christmas Vacation (1989)
Tetsuo, The Iron Man (1989)
Warlock (1989)
The Killer (1989)

1990-1999
Total Recall (1990)
Quick Change (1990)
Flatliners (1990)
Delicatessen (1991)
Hard Boiled (1992)
Porco Rosso (1992)
Army of Darkness (1992)
Groundhog Day (1993)
The Nightmare Before Chritsmas (1993)
Heavenly Creatures (1994)
Ghost In The Shell (1995)
Citizen X (1995)
Black Jack (1996)
The Devil´s Advocate (1997)
Perfect Blue (1997)
Nigthwatch (1997)
Gattaca (1997)
Absolute Power (1997)
The Relic (1997)
Seul contre tous aka Solo Contra Todos (1998)
Dark City (1998)
The Ninth Gate (1999)
The Iron Giant (1999)

2000-2009
Battle Royale (2000)
Vampire Hunter D: Bloodlust (2000)
Barking Dogs Never Bite (2000)
The Cat Returns (2002)
Close Your Eyes (2002)
Oseam (2003)
Tokyo Godfathers (2003)
Swimming Pool (2003)
Howl´s Moving Castle (2004)
Shaun Of The Dead (2004)
Ghost In The Shell 2: Innocence (2004)
Millions (2004)
Kiss Kiss Bang Bang (2005)
Triad Election (2006)
Princess (2006)
Hot Fuzz (2007)
Sunshine (2007)
Sword of the Stranger (2007)
Going by the Book (2007)
Hansel and Gretel (2007)
Sky Crawlers (2008)
Ponyo on the Cliff by the Sea (2008)
Ip Man (2008)
Vengeance (2009)

2010-2019
Batman: Under the Red Hood (2010)
Un Cuento Chino (2011)
Robot & Frank (2012)
Grand Piano (2013)

Expresionismo Alemán: El uso de las sombras y la abstracción en la pantalla grande.

El Expresionismo nace a principios del siglo XX en Alemania. Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva y que nace debido a la necesidad de los artistas de expresar su disconformidad con la situación existente en su país. En aquella época, el país sufría las consecuencias por un lado, de los condicionamientos impuestos por el Tratado de Versalles, los acontecimientos sociales y políticos producto de los movimientos revolucionarios de los años 1918-1919, la hostilidad de la burguesía nacionalista, la influencia de los grandes industriales, además de la grave situación económica de ese período.

Es por eso que el expresionismo revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética. El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador.

El cine expresionista se desarrolló mayormente durante la República de Weimar (1918-1933), o sea durante la primera democracia alemana. La película que abrió las puertas a una producción cinematográfica artística casi inexistente en Alemania y que daría las pautas estéticas y las temáticas que guiaran el camino del resto de los realizadores expresionistas es “El gabinete del Dr. Caligari” (1919) de Robert Wiene.
En las creaciones de la cinematografía expresionista se pueden distinguir dos líneas temáticas diferenciadas que son, el tema de lo fantástico y el drama social y psicológico. En ambas temáticas se representaba la crisis social que se vivía en aquellos años, debido a que en ambos casos es expresa una inestabilidad y angustia existencial, en que queda evidenciada la crisis moral, toma importancia el tema de muerte, aparecen personajes que ejercen algún tipo de violencia física y moral, etc. Los personajes, tal y como sucede en el cine negro se caracterizan por su ambigüedad. Hacer que personajes aparentemente siniestros se revelen como bastante inofensivos es algo que se ve comúnmente en este género cinematográfico.

Otra característica que comparte este género con el del cine negro es que la mayoría de los dramas psicológicos del expresionismo están ligados a la crítica social, donde el pueblo es el protagonista, lo que ayuda al espectador a identificarse más fácilmente con los personajes del film.
La sexualidad ocupa también un lugar importante dentro de las temáticas del género, donde la prostitución, la homosexualidad, e incluso las enfermedades venéreas, son los temas que aborda el cine de le época de forma bastante cruda. En la Alemania de aquellos tiempos la prostitución se hallaba muy extendida, por lo que los cineastas no dudaron en plasmar su visión acerca de este tipo de temáticas.

La escenográfia en el cine expresionista tiene una gran importancia. Por lo general se caracteriza por tener una estética deforme y abstracta, con calles y perspectivas que no tienen profundidad real, no se respetan los ejes verticales, la gran cantidad de direcciones diagonales dan la impresión de movimiento. Lo que interesa aquí es crear la inquietud y el terror. A través de estas deformaciones calculadas, el cineasta dispone de medios que le permiten representar la complejidad psíquica con intensidad.
Los realizadores expresionistas tenían la tendencia o no realizar tomas en exteriores. Sin embargo, “Nosferatu” (1922) de F. W. Murnau, es una excepción a esta “regla” del cine expresionista, debido a que fue realizado en exteriores sin que esto mermara de alguna forma la estética gótica y tenebrosa del género.

En cuanto a la iluminación, se tomó como referencia lo hecho por Mac Reinhardt en sus puestas teatrales, con lo que los directores lograron imprimirle un sello reconocible a sus films mediante la elaboración del claroscuro. La idea era utilizar el contraste acentuado de luces y sombras, iluminando de forma brusca a un personaje o a un objeto para concentrar la atención del espectador, al tiempo que se deja a todos los demás personajes y objetos sumidos en tinieblas.
El método que consiste en destacar, a menudo con exceso, el relieve y los contornos de un objeto o las molduras de un decorado, se convertirá en una característica del expresionismo alemán.
El cine expresionista alemán supo sacar un gran provecho de las sombras para dar connotación de lo amenazante, del presagio siniestro, y en gran medida convertirla en imagen del destino.

Las interpretaciones en estos films tienden a exteriorizan las emociones y las reacciones psíquicas en la forma más exagerada. Esto es debido a la concepción de que el ritmo de un gran gesto se encuentra más cargado de sentido y emoción que el comportamiento natural. Es por esto que cuando se intenta mostrar sentimientos, los actores lo harán de forma bastante extrema, siendo violenta o abrupta en ocasiones, con movimientos mecánicos y en algunos casos se vera un uso excesivo del maquillaje. Ver este tipo de gesticulación puede resultar molesta o absurda para al espectador no familiarizado con este tipo de cine. Sin embargo se debe entender esta deformación expresionista de los gestos como la contraparte de la deformación de los objetos, o sea es el complemento de la estética abstracta de estos films.

El cine expresionista se extingue hacia el año 1926, año en el cual Alemania alcanza una breve etapa de estabilidad económica y política. “Fausto” (1926) de F. W. Murnau y “Metrópolis” (1927) de Fritz Lang fueron los últimos exponentes del expresionismo en el cine. Luego el cine alemán tendería más al realismo y serian pocos los elementos del expresionismo que se seguirían utilizando en el cine alemán.

Diez films para empezar a familiarizarse con el expresionismo alemán:

- El gabinete del Dr. Caligari (1919) Dir. Robert Wiene
- El Golem (1920) Dir. Paul Wegener y Henrik Galeen
- Las tres luces (1921) Dir. Fritz Lang
- Nosferatu (1922) Dir. F. W. Murnau
- Dr. Mabuse el jugador (1922) Dir. Fritz Lang
- Los Nibelungos (1924) Dir. Fritz Lang
- La última risa (1925) Dir. F. W. Murnau
- El estudiante de Praga (1926) Dir. Henrik Galeen
- Fausto (1926) F. W. Murnau
- Metrópolis (1927) Dir. Fritz Lang

por Fantomas.

Giallo: Más que un simple subgénero cinematográfico.

El giallo como género cinematográfico nace a principios de los sesenta, durante la “era dorada” del cine italiano. El nombre giallo (amarillo en italiano) proviene de una serie novelas publicadas por primera vez en 1929 por la editorial milanesa Mondadori, cuyas portadas eran de color amarillo. En un principio se trataría de traducciones de novelas británicas de misterio y de detectives, las cuales seguían la pauta marcada por Sir Arthur Conan Doyle en sus escritos protagonizados por Sherlock Holmes, además de algunas novelas norteamericanas inspiradas en la obra de Edgar Allan Poe y en la de Dashiell Hammett. Antes de esa fecha, los italianos no tenían mucha noción del contenido de las novelas de misterio. Ya entre los años 30 y 40, la circulación de este tipo de relatos fue en aumento, pese a que Mussolini prohibió las publicaciones de novelas detectivescas norteamericanas, debido a que estas podían ejercer cierta influencia en los “italianos de mente débil”, ya que de cierta forma mostraban los crímenes como un acto casi glamoroso.

No fue hasta un buen tiempo después que los mismos italianos comenzaron a escribir giallos basados en las obras británicas y las norteamericanas, y no fue hasta después de la guerra que comenzaron a escribir novelas con un estilo propio. El giallo como expresión cinematográfica no se encasilla en un solo género como las novelas, sino que tiende a abarcar distintos género como el de la novela policíaca, el horror gótico, el drama, entre otros. Por este motivo, el giallo no suele ser considerado como un género en el sentido convencional, pero existe un cierto consenso en que es más complejo que un subgénero como tal. Se suele reconocer a la película “La Ragazza che Sapeva Troppo” (1963), del director Mario Bava, como el primer giallo cinematográfico ya estable algunas de las bases del género mediante el relato de la historia de una muchacha que está de vacaciones en Roma y es testigo de un asesinato del cual no existen pistas ni cadáver, por lo que a la joven no le queda más remedio que investigar por su cuenta.

Entre principios y mediados de los sesenta, el giallo no se presentaba como un género sólido. Este periodo fue utilizado por diversos directores para experimentar con un género que otorgaba una serie de posibilidades. Sería la cinta de Dario Argento, “The Bird With The Crystal Plumage” (1969), la obra que no sólo definiría varias de las constantes del género, sino que además se encargaría de ponerlo de moda, originando que una serie de directores intentara emular el éxito del film. Las tramas del giallo giran en torno a una serie de asesinatos, que por lo general son retratados de manera bastante gráfica, los cuales son realizados por un asesino enmascarado y con guantes, que por lo general ocupa algún tipo de arma blanca para efectuar los crímenes, jamás utilizan armas de fuego. Estos son algunas de las reglas no escritas del género. La identidad del asesino o los asesinos, es por lo general revelada en el tramo final del film. Los protagonistas que tienden a verse envueltos en estos crímenes, suelen ser tipos comunes y corrientes que terminan siendo arrastrados a la investigación de los mismos. Los policías envueltos en las investigaciones suelen ser mostrados como verdaderos inútiles que no tienen que ver mucho con la resolución de los crímenes, pero que aún así se adjudican el crédito una vez resueltos los casos. Por último, la motivación de los asesinos suele estar ligado a algún trauma de la infancia.

En cuanto a sus características técnicas, se utiliza mucho el punto de vista del criminal durante la realización de los crímenes, convirtiendo al espectador en cómplice del crimen. Esto nos convierte en una suerte de voyeristas, no en el estricto sentido de la palabra como es definida en el diccionario (persona que obtiene placer sexual cuando observa a alguien desvestirse o teniendo sexo), sino que en el sentido que hace que sintamos el deseo de mirar cómo se ejecuta el crimen, al mismo tiempo que nos incita a buscar pistas para descubrir la identidad del asesino, para posteriormente desenmascarar la verdad tras sus actos. Además se hace gran uso del zoom, al punto que en ocasiones llega a ser excesivo el uso de este recurso. También existe un gran uso de colores vivos, como el verde, el rojo y el azul, lo cual es un recurso bastante utilizado por directores como Argento o Bava. Estéticamente, podemos apreciar que por lo general existe una preocupación por lograr un ambiente adecuado, el cual suele ser opresivo o inquietante, ayudado en gran parte por el ya mencionado uso de los colores, y por locaciones lúgubres y misteriosas. En muchas cintas como por ejemplo en “Blood and Black Lace” (1964), se utilizan objetos como muñecas o maniquíes que simbolizan la despersonalización del asesino, al mismo tiempo que intentan establecer el delicado estado mental en el que se encuentran.

Por otro lado, es común encontrarse con un discurso médico/detectivesco en el giallo. Las alucinaciones y las imágenes subjetivas suelen tener la misma importancia que los protagonistas o el enigma central del film. Buenos ejemplos de esto son las cintas “Lizard in a Woman´s Skin” (1971), del director Lucio Fulci, y “Lo Strano Vizio Della Signora Wardh” (1971), de Sergio Martino. En ambas películas se evidencia un discurso que hace relación a las patologías inherentes al feminismo, y la fascinación que algunos directores sentían por las mujeres “enfermas”. En otras películas como “Knife of Ice” (1972) de Umberto Lenzi, o “Tutti i Colori del Buio” (1972) de Sergio Martino, la narrativa y el misterio están ligados a los efectos nocivos de una determinada enfermedad mental sufrida por la protagonista. Inevitablemente, el giallo está fuertemente ligado al psicoanálisis. Resulta curioso que muchos de los protagonistas del género están en terapia psicológica, han estado en terapia, o alguien les comenta que necesitan terapia. En cierta medida, el detective de turno se convierte en una suerte de terapeuta; para poder atrapar al asesino, debe pensar como él y conocer sus motivaciones.

Los viajes, el turismo, los lugares exóticos y los extranjeros también son rasgos característicos del giallo. El protagonista del género suele ser un extranjero que se encuentra de vacaciones en Italia, o un italiano que se encuentra de vacaciones en el extranjero. Entre algunas de las cintas que se desarrollan en “lugares exóticos” se encuentran: “The Iguana With a Tongue of Fire” (1971), de Ricardo Freda; “Death in Haiti” (1972), de Edoardo Mulargia; “L´uomo piú velonosa del cobra” (1971), de Bitto Albertini; y “La Coda Dello Scorpione” (1971), de Sergio Martino, entre otras. Los personajes no parecen estar ligados a un lugar en particular, sino que están en constante movimiento. A mediados de los setenta, el género sufrió una serie de cambios que terminaron empujando a los directores a filmar relatos policiales más tradicionales. El inicio de los ochenta marcó el retorno del género como se le conocía en un principio, de la mano de directores como los ya mencionados Dario Argento y Lucio Fulci. Esto permitió que el género nuevamente gozara de cierta popularidad, lo que impulsó una nueva oleada de giallos. Sin embargo, la gran mayoría de los giallos filmados durante este periodo resultaron ser inferiores a los realizados a principios de los setenta, por lo que son poco recordados por los fanáticos del género.

Por lo general a los giallos se les suele criticar la falta de coherencia que en algunas ocasiones poseen sus historias y el pobre nivel actoral de algunos de los actores habituales del género. Aunque se trata de una crítica justificada, hay que recordar que la gran fortaleza de los giallos reside en su estética y en la dinámica de investigación. El éxito que estas películas tendrían en Europa, llevaría a que directores de otras nacionalidades como el español León Klimovsky, quien filmaría “Una Libélula Para Cada Muerto” (1974), o el belga Gus Lee Thys, responsable de “The Pencil Murders” (1982), intentaran probar suerte en el género. Además se debe reconocer que estas producciones serían en gran medida el principal precursor de los “Slasher films", tan populares a finales de los setentas y durante los ochenta en los Estados Unidos. En conclusión, el giallo es un género más complejo de lo que uno podría creer, donde tanto nosotros como el protagonista de turno somos testigos oculares de un enigma que estamos invitados a resolver.

Otros giallos que vale la pena ver:

- La Tarántula del Vientre Negro (1971), de Paolo Cavara
- The Fifth Cord (1971), de Luigi Bazzoni
- What Have They Done to Solange? (1972), de Massimo Dallamaro
- The Red Queen Kills Seven Times (1972), de Emilio Miraglia
- 7 Orquídeas Manchadas de Rojo (1972), de Umberto Lenzi
- Don´t Torture a Duckling (1972), de Lucio Fulci
- Deep Red (1975), de Dario Argento
- The House With Laughing Windows (1976), de Pupi Avati
- The Psychic (1977), de Lucio Fulci
- Tenebre (1982), de Dario Argento

por Fantomas.

Hammer Films: Resumen de la historia del estudio que derramó sangre.

Hace algo más de 50 años, una pequeña compañía inglesa llamada Hammer Films deslumbró a millones de espectadores con un gran número de producciones que tenían como protagonistas a feroces vampiros, monstruos deformes, científicos obsesionados con la idea de que podían crear vida, psicópatas con demencia hereditaria, guapas mujeres de las cavernas, seres de otros planetas, e incluso piratas establecidos en pequeños pueblos. La verdad es que los cerebros de la Hammer se tardarían algunos años en encontrar el camino que los llevaría al éxito. Sin embargo, una vez que decidieron revisitar los clásicos de terror realizados por los estudios Universal durante las décadas del treinta y del cuarenta, lograron el tan ansiado éxito a nivel mundial que posicionó al estudio como un referente en lo que se refiere al cine fantástico. El abandono del atmosférico blanco y negro en favor del uso del Technicolor en toda su regla, la selección de una estética gótica, y la reescritura de la mitología de los monstruos clásicos, le reservaron a la Hammer un puesto de honor en la historia del cine mundial. En estas líneas intentaré repasar parte de la historia de la mítica casa del martillo.

Pese a ser una empresa británica, curiosamente la Hammer fue fundada por un español nacido en 1880 cuyo nombre fue Enrique Carreras. A principios del siglo XX, Carreras decide emigrar a tierras británicas buscando una mejor situación laboral, ya que en España no había tenido demasiada suerte. Su gran ambición lo llevó a probar fortuna en varios proyectos profesionales de gran envergadura, muchos de los cuales no tuvieron demasiado éxito. Tras sufrir un duro revés económico, Carreras es socorrido por su hermano Alfonso, quien en 1913 se asocia con Enrique en Hammersmith, Londres. Ese mismo año adquieren un teatro llamado Blue Hall en el que se presentarían diferentes espectáculos de variedades y music-hall. Sin embargo, lo que ha Enrique verdaderamente le interesaba era la industria del cine. Es así que adapta el teatro para que este funcione como una sala de proyección de películas. Con el paso de los años, Carreras forma una cadena de salas cinematográficas conocidas como Blue Hall Circuit. Cuando su negocio comenzó a ganar dinero y prestigio, Carreras formó una compañía de distribución llamada Christened Exclusive Films, empresa que pasaría a ser una suerte de embrión de lo que luego se convertiría en la Hammer Films Productions Limited.

Mientras Enrique Carreras continuaba invirtiendo en su empresa, en otro lugar de Londres existía otro empresario con quien eventualmente terminaría asociándose; el británico William Hinds. Hinds era un empresario con vocación de artista que impulsado por su fascinación por el teatro, decide formar su propia agencia de contratación teatral y espectáculos de variedades, además de estrenarse como humorista junto con un amigo con quien se presenta bajo el nombre artístico de Hammer and Smith, aludiendo precisamente a la zona de Hammersmith en Londres. Será en este barrio donde Hinds conocerá a Carreras, dando inicio a una fructífera sociedad que involucrará a las familias de ambos. Luego de numerosas conversaciones, Enrique Carreras y William Hinds inauguran en 1932 la compañía Exclusive, la cual tenía como objetivo distribuir en toda Inglaterra y los Estados Unidos las películas producidas por la British Lion Pictures. Dos años después del nacimiento de la Exclusive, Hinds formaría su propio estudio cinematográfico llamado Hammer Films Productions Limited.

Luego de afinar algunos detalles, como por ejemplo la confección del logo del estudio, Carreras y Hinds se aventuraron en el trabajo fílmico propiamente tal. En aquella época, la industria cinematográfica británica aún se encontraba en una situación relativamente precaria, por lo que incluso bajo el amparo de la British Lion significaba todo un reto filmar una película. Luego de rodar algunos cortometrajes, Hinds y George Mozart realizarían la cinta “The Public Life of Henry the Ninth” (1933), la cual es considerada como el primer film oficial de la Hammer. Si bien esta película pasaría algo desapercibida, el destino de “The Mistery of Mary Celeste” (1935) sería completamente diferente. Dicho film no sólo resultaría lo suficientemente exitoso como para impulsar a la productora dentro del campo de la realización y la distribución de películas, sino que además fue el primer acercamiento de la casa del martillo al género de terror. “The Mistery of Mary Celeste” sería protagonizada por Bela Lugosi, lo que respondía a la filosofía de la Exclusive de contratar a actores conocidos en los Estados Unidos para así fortalecer el valor comercial de sus productos. En los años siguientes, la Exclusive/Hammer realizaría un par más de producciones, entre las que se encuentran los largometrajes “The Song of Freedom” (1936) y “Sporting Love” (1936), y el cortometraje “The Bank Messenger Mistery” (1937).

Hasta ese momento, las políticas de la empresa eran impuestas casi en su totalidad por Carreras. En cierta forma, la Exclusive de Carreras ensombreció por muchos años a la Hammer de Hinds. Solo con la llegada de las siguientes generaciones, tanto las de James y Michael Carreras como la de Anthony Hinds, la Hammer escaparía de su letargo para transformarse en el estudio supo ganarse un puesto importante en la historia del cine. Sir James Carreras nació el 30 de enero de 1910. Hijo de Enrique, realizó sus estudios en Stonehurst y a muy temprana edad demuestra habilidades innatas para el manejo empresarial. Por otro lado, William Hinds tuvo en Anthony su sucesor en la rama familiar. Nacido en 1922, trabajó en la Exclusive desde 1939 hasta que se enroló en la RAF para combatir en la Segunda Guerra Mundial. Los inicios de la Hammer que conocemos hoy en día tuvieron como base de operaciones una gran mansión ubicada en Cookham Green, Berkshire, la cual Hinds transformó en una especie de estudio de producciones caseras. Una vez comprada dicha propiedad, James Carreras propone realizar cintas de bajo costo, presupuestando un gasto de 20.000 libras por film, para así obtener cierta rentabilidad comercial. Si bien en un principio no lograron los resultados esperados, eventualmente el futuro se mostró más esperanzador.

En 1945, la recientemente formada Hammer Films Ltd. realiza un documental de 33 minutos titulado “Old Father Thames” (1946). En los dos siguientes años las cosas cambian y la Exclusive logra producir una cantidad considerable de cortos y documentales, e incluso un par de thrillers con cierto contenido dramático. Serían precisamente los thrillers “Death in High Heels” (1947) y “Crime Reporter” (1947), los que terminarían influenciando las futuras producciones hammerianas. Pese a que en 1948 la Hammer se asocia con la Knightsbrige Productions, no logran aumentar sus ganancias. Y es que si bien el número de producciones no mengua, lo cierto es que los beneficios tampoco crecen. El hecho de no poseer los recursos suficientes como para construir sets, obligaba a filmar constantemente en exteriores por lo que las películas no diferían demasiado entre sí. Durante este periodo, la Hammer realizaría un buen número de film noir, los cuales no tendrían demasiado éxito. Entre alguno de estos se encuentran: “Who Killed Van Loon?” (1948), “Celia” (1949), “Jack of Diamons” (1949) y “The Dark Road” (1949), entre otras.

El primer gran acierto de Carreras y Hinds sería la compra de los derechos para una realización cinematográfica de "Dick Barton", el serial radiofónico del momento. Este personaje, que era una suerte de mezcla entre Dick Tracy y Winston Churchill, protagonizó tres films (“Dick Barton: Special Agent”, “Dick Barton and the Silent Plague” y “Dick Barton and the Ray of Death”) los cuales sirvieron para darle a la Exclusive el impulso económico que tanto necesitaba. Una vez cancelada la saga de Dick Barton (debido al fallecimiento del actor Don Stannard, quien estaba a cargo de interpretar al personaje), el estudio siguió apostando por los thrillers y las cintas de misterio. El inicio de la década del cincuenta estaría marcada por dos hechos importantes que influirían en el destino del estudio; por una parte, el fallecimiento de Enrique Carreras permitió que su nieto Michael pasara a controlar la productora junto con preocuparse de la dirección de algunos films. Al mismo tiempo, los estudios por fin encontraron un centro de operaciones adecuado para filmar sus producciones. Cuando en 1950 Carreras y compañía se trasladaron a un hotel llamado Oakley Court para filmar la cinta “The Lady Craved Excitement” (1950), un edificio construido a pocos metros del hotel captó su atención. Dicho edificio ubicado en el condado de Bray se convertiría en el flamante estudio de la Hammer hasta 1966.

A esta seguidilla de buenas decisiones le seguiría la relación comercial que James Carreras estableció con el productor y distribuidor norteamericano Robert L. Lippert, que propiciaría la entrada de la Hammer al mercado norteamericano. Esta sociedad además provocaría que la casa del martillo comenzara a utilizar nuevamente a actores norteamericanos, repitiendo lo que había hecho Enrique Carreras durante los inicios de la Exclusive. Mientras el estudio continuaba filmando cintas de misterio y suspenso como por ejemplo “The Black Widow” (1951) y “The Last Page” (1952), arribarían a la Hammer algunos de los directores que posteriormente serían fundamentales en el giro temático del estudio, como es el caso de Terence Fisher y Val Guest. Es precisamente Fisher quien filma la que probablemente es la mejor película de la era Exclusive; “Four-Sided Triangle” (1953), una cinta de ciencia ficción que es uno de primeros intentos del estudio por escapar de la seguidilla de film noir que estaban filmando en aquella época. Sin embargo, la cinta responsable del cambio de enfoque del estudio sería “The Quatermass Xperiment” (1955), un film de ciencia ficción del director Val Guest.

En 1953, el escritor y guionista Nigel Kneale había creado para la BBC un show televisivo llamado “The Quatermass Experiment”, el cual de inmediato tuvo un éxito inusitado en Inglaterra. Anthony Hinds era uno de los tantos espectadores de la serie de televisión, por lo que no tardó en expresar sus deseos de llevarlo a la pantalla grande. “The Quatermass Xperiment” no sólo dio paso a dos secuelas tituladas “Quatermass 2” (1957) y “Quatermass and the Pit” (1967), sino que además marcó un antes y un después en la concepción de los productos del estudio. Cuando la cinta de Quatermass obtuvo buenos resultados en norteamérica, la Hammer comenzó a desarrollar el proyecto con el que se metería de lleno en el género de terror; “Curse of Frankenstein” (1957). Sería Michael Carreras quien pensaría en adaptar la novela de Mary Shelley ya que esta estaba libre de derechos de autor. Dicho film, dirigido por Terence Fisher, contaría con la participación de varios de los profesionales que formarían el staff habitual del estudio, como por ejemplo el director de arte Bernard Robinson, el director de fotografía Jack Asher, el compositor James Bernand, el guionista y director Jimmy Sangster y los actores Peter Cushing y Christopher Lee, quienes se transformarían en los dos actores más representativos del estudio.

A esta joya del cine de terror gótico le seguiría la revisión de otro de los monstruos clásicos que alguna vez fueron los protagonistas de las cintas de terror de la Universal; “Horror of Dracula” (1958), protagonizada nuevamente por Christopher Lee y Peter Cushing, terminaría por revolucionar el género de terror de la época, posicionando de esta forma a la Hammer en el centro de la luz pública. Era evidente que debido al éxito obtenido por estas dos producciones el estudio prepararía sendas series sobre los dos personajes. Mientras que el estudio filmaría cinco secuelas acerca del malvado Doctor Frankenstein, entre las que se encuentran “The Revenge of Frankenstein” (1958), “The Evil of Frankenstein” (1964), “Frankenstein Created Woman” (1967), “Frankenstein Must Be Destroyed” (1969) y “Frankenstein and the Monster From Hell” (1974), la serie de Drácula estaría conformada por nueve películas en total, entre las que se encuentran “Brides of Dracula” (1960), “Dracula: Prince of Darkness” (1966), “Dracula Has Risen From the Grave” (1968), “Taste The Blood of Dracula” (1969), “Scars of Dracula” (1970), “Dracula A.D. 1972” (1972), “The Satanic Rites of Dracula” (1973) y “The Legend of the 7 Golden Vampires” (1974).

La Hammer también plasmaría su versión de otros monstruos clásicos como la momia (“The Mummy”, 1959), el fantasma de la ópera (“The Phantom of the Opera”, 1962), el hombre lobo (“The Curse of the Werewolf”, 1961), y el Doctor Jekyll (“The Two Faces of Dr. Jekyll”, 1960), entre otros. Durante este periodo de apogeo que duraría casi una década, el estudio realizaría innumerables producciones ligadas al género fantástico y al cine de terror en toda su amplitud. Freddie Francis por ejemplo, se encargaría de filmar una trilogía de terror psicológico para la Hammer, conformada por “Paranoiac” (1963), “Nightmare” (1964) y “Hysteria” (1965). El director Seth Holt también colaboraría con una cinta de similares características a las que conformaron la trilogía de Francis titulada “Taste of Fear” (1961), mientras que el propio Michael Carreras haría lo suyo con “Maniac” (1963). Eventualmente el estudio también abordaría el cine de aventuras. Mientras que algunas como “The Pirates of Blood River” (1962), “The Devil-Ship Pirates” (1964) y “Captain Clegg” (1962), presentarían a rudos piratas como protagonistas, otras estarían ambientadas en la prehistoria como por ejemplo “One Million Years B.C.” (1966), “Slave Girls” (1968), “When Dinosaurs Ruled the Earth” (1970) y “Creatures the World Forgot” (1971).

Lamentablemente para la Hammer, a principios de los setenta los gustos del público estaban en pleno proceso de cambio. Cintas como “Rosemary´s Baby” (1968) opacaban los productos del estudio que sufrían los nocivos efectos de la escasa renovación creativa. Con el objetivo de adaptarse a los tiempos, Carreras y compañía contrataron a nuevos directores, guionistas y actores, al mismo tiempo que intentaron renovar algunas de sus franquicias más exitosas añadiendo algunas dosis de erotismo. Teniendo esta nueva política creativa en mente, el estudio desarrolló la llamada “Trilogía Karnstein”, conformada por las cintas de vampiros “The Vampire Lovers” (1970), “Lust for a Vampire” (1971) y “Twins of Evil” (1972). Estas películas no sólo presentan escenas de desnudos, sino que además tratan abiertamente el tema del lesbianismo, el cual continuaba siendo un tema tabú en aquella época. En su intento desesperado por sobrevivir en un mercado cambiante, los creativos de la Hammer realizaron algunas cintas que fallaron miserablemente a la hora de entusiasmar al público adolescente que asistía frecuentemente a las salas de cine. Probablemente “Dracula A.D. 1972” y “The Legend of the Seven Golden Vampires” sean los dos mejores ejemplos de aquello.

Ya a fines de los setenta, pese a todos los cambios que realizó el estudio, este no pudo satisfacer las expectativas del público de la época. La última producción de la Hammer sería “The Lady Vanishes” (1979), un remake del film del mismo nombre del director Alfred Hitchcock. Esta película sería un fracaso rotundo lo que provocó que la casa del martillo cerrara sus puertas. En la década de los ochenta, la Hammer resurgiría en la forma de dos series de televisión producidas para la televisión británica; mientras que “Hammer House of Horror” (1980) contó con 13 episodios de 51 minutos de duración cada uno, “Hammer House of Mystery & Suspense” (1984-86) contó con 13 episodios de 70 minutos de duración cada uno. En mayo del 2007 se anunció que el productor holandés John De Mol había adquirido la Hammer Films junto con los derechos de las más de 300 películas realizadas por la productora. Supuestamente este año se estrena la primera cinta filmada por la nueva administración la cual se titula “Wake Wood” (2010). Más allá de lo que pueda hacer De Mol con la “nueva Hammer”, el estudio marcó un antes y un después dentro del género de fantástico y de terror, sirviendo de referencia para un gran número de realizadores. Además de esto, la casa del martillo logro situar en el inconsciente colectivo nombres como el de Christopher Lee, Peter Cushing, Ingrid Pitt, Michael Ripper, John Gilling, Terence Fisher, Freddie Francis, Val Guest, James Bernard y Anthony Hinds (alias John Elder), entre otros. Sin duda el legado de la Hammer seguirá siendo disfrutado por las nuevas generaciones de aficionados al cine fantástico, y por todos aquellos que hemos tenido la oportunidad de revisar algunas de las inolvidables obras del estudio.

por Fantomas.

Total Recall: Viviendo una mentira.

“Total Recall” (1990), es una cinta de ciencia ficción del director Paul Verhoeven, la cual está protagonizada por Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone.

Tierra, año 2048. Doug Quaid (Arnold Schwarzenegger), un hombre con una vida tranquila, está atormentado por una pesadilla que lo lleva todas las noches hasta Marte. Decide entonces recurrir al laboratorio de Recall, una empresa de vacaciones virtuales que le ofrece la oportunidad de materializar su sueño gracias a un implante en su memoria. Sin embargo, su intento resulta ser un fracaso. El proceso remueve de su memoria una antigua estancia en Marte, cuando él era el más temido agente del dueño del aire en el planeta rojo. Es entonces cuando Quaid decide volver a Marte para recuperar su vida, pero deberá pagar un alto precio para lograrlo.

Cuando los escritores Dan O´Bannon y Ronald Shusett, responsables del guión de “Alien” (1979), se decidieron a comprar los derechos de la historia corta del escritor Philip K. Dick titulada, “We Can Remember It For You Wholesale”, nunca imaginaron la cantidad de problemas que tendrían para llevar a cabo el proyecto. En primer lugar, no lograron encontrar a alguien interesado en financiarlo, lo que los llevó a realizar un “puerta a puerta” en un gran número de estudios. Sería a mediados de los ochenta, cuando el productor Dino De Laurentiis se encargaría de asumir el proyecto, el cual tendría como protagonista al actor Richard Dreyfuss. La dirección estaría a cargo de David Cronenberg, quien consideraba que William Hurt era el actor más indicado para asumir el rol protagónico. Sin embargo, tras trabajar un año junto a Shusett en la confección del guión, Cronenberg decidió renunciar. Según él mismo comentó en una ocasión, fue una diferencia creativa lo que lo llevó a alejarse de este proyecto; mientras que él tenía pensando realizar una adaptación lo más fiel posible a la historia original, Shusett quería transformarlo en una especie de “Raiders of the Lost Ark” en Marte.

Pero no solo Cronenberg abandonaría el proyecto. Para reemplazar al director se contrató a Bruce Beresford, quien llegó junto con el actor Patrick Swayze como protagonista. Sin embargo, tras la pésima recaudación lograda por la adaptación de “Dune” (1984), realizada por David Lynch y producida por De Laurentiis, el productor tendría que declararse en bancarrota, por lo que tuvo que abandonar “Total Recall”. Tras la caída de De Laurentiis, el actor Arnold Schwarzenegger, quien ya había hablado con el productor para obtener un papel en la cinta, vio la renuncia de este como una oportunidad para obtener el rol protagónico de la película. Fue él quien logró persuadir a la productora Carolco para que comprara los derechos del film por aproximadamente tres millones de dólares, tras lo cual logró quedarse con el tan ansiado rol protagónico y con un inusual grado de control sobre el proyecto. De esta forma Schwarzenegger reclutaría a Paul Verhoeven para dirigir la película, debido a que el actor quedó sumamente impresionado con el trabajo realizado por el director en la cinta “Robocop” (1987). Para el tiempo que arribó el director, se habían escrito cuarenta y dos versiones del guión, al cual aún le faltaba un tercer acto. Fue así como llego el escritor Gary Goldman, el cual junto a Shusett construiría la versión final del guión.

La película se caracteriza por poseer grandes dosis de acción y violencia, además del hecho de que prácticamente todas sus escenas parecen exhibir algún tipo de efecto especial. Al mismo tiempo, es una de las producciones de ciencia ficción más atrayentes de los ochentas en términos visuales. La calidad de sus efectos especiales es tal, que el año de su estreno fue la única película nominada por la Academia de Hollywood para el Oscar en esa categoría, y por lo tanto se convirtió en la ganadora automática del premio. Además recibió nominaciones por su aparatado sonoros y por sus efectos sonoros. Pero esta cinta no solo se destaca por su apartado visual y sonoro. La trama se centra en una intrigante idea: ¿Qué pasaría si a uno le pudiesen implantar memorias? ¿Si pudiesen borrar cada momento de tu pasado, cada experiencia vivida, para reemplazarla con falsos recuerdos? Eso es lo que parece experimentar Doug Quaid, aunque existen momentos en los cuales ni él ni nosotros estamos seguros de que es lo que realmente sucedió.

La idea de que todo es tan solo un recuerdo implantado ronda durante todo el transcurso de la película. Más aún después de la escena en la que un doctor bastante convincente y la supuesta esposa de Quaid (interpretada por Sharon Stone), “aparecen” para intentar convencerlo de que todo es un sueño. El tópico de la realidad versus la fantasía o el delirio, es un tema recurrente en los trabajos de Philip K. Dick. Verhoeven juega bastante con este elemento, entregando información que apunta a ambas teorías. El director mantiene esta ambigüedad hasta el mismísimo fin de la cinta, sin entregar una respuesta definitiva que permita vislumbrar si los eventos que vive el protagonista realmente sucedieron. En el intertanto, la historia (sueño o no) se va haciendo más clara. Marte está en medio de una guerra entre las fuerzas de Cohaagen (Ronny Cox), un mercenario dueño de la principal industria del planeta, y una pequeña banda de rebeldes. A esto se le suma la existencia de un misterioso reactor gigante, que aparentemente fue construido por extraterrestres hace más de un millón de años.

Curiosamente, esta cinta comparte dos singularidades con “Outland” (1981), film de ciencia ficción del director Peter Hyams. La primera es que en ambas producciones pareciera que la tecnología existente no alcanzó para mejorar las armas de fuego (en “Outland” el personaje de Sean Connery utilizaba una escopeta común y corriente, mientras que en esta cinta utilizan pistolas sin ningún tipo de nuevo artilugio). La segunda es la ya criticada “explosión del cuerpo humano” debido a la exposición directa a la atmósfera espacial. Aunque se han escrito ensayos científicos asegurando que esto no puede ocurrir, hay que admitir que resultan visualmente atrayentes las secuencias en las cuales ciertos personajes deben sufrir una lenta y dolorosa muerte a causa de la pérdida de sus trajes protectores. No dejan de llamar la atención estas similitudes, debido a que en cierta medida evidencian las preferencias de algunos realizadores durante la década de los ochenta y principios de los noventa, los cuales se inclinaban por mezclar elementos fantásticos con otros más clásicos al momento de abordar historias de ciencia ficción.

“Total Recall” es una película estupenda que presenta más de una vuelta de tuerca, toneladas de acción, y que resulta innovadora en el aspecto visual; la luminosa fotografía de Jost Vacano venía a romper con los tonos sombríos que predominaban en el cine ciencia ficción, sobre todo durante la década del ochenta. Si bien Schwarzenegger está lejos de ser considerado un buen actor (o incluso un actor regular), hay que reconocerle que en esta ocasión logra construir un personaje carismático. Por otra parte, la banda sonora compuesta por Jerry Goldsmith resulta ser sumamente adecuada, destacándose el tema principal de la película. En definitiva, son muchos los elementos que alzan a “Total Recall” como una de las mejores cintas de ciencia ficción de los ochenta, y como una de las mejores obras en las que ha participado tanto Schwarzenegger como el irregular Verhoeven.

por Fantomas.

Inferno: Ahora es el turno de la Madre de las Tinieblas.

“Inferno” (1980), es un film de terror del director Dario Argento, el cual está protagonizado por Irene Miracle, Leigh McCloskey, Eleonora Giorgi, Daria Nicolodi y Alida Valli.

La joven poetisa Rose Elliot (Irene Miracle) adquiere un antiguo diario escrito en latín. En él descubre la existencia de las Tres Madres del Mal, lo que la lleva a creer que en su departamento habita una de ellas. Llena de temor, recurre a su hermano Mark (Leigh McCloskey), quien estudia musicología en Roma. Cuando Mark llega a Nueva York, descubre que su hermana ha sido asesinada, lo que lo llevará a indagar que es lo que realmente esconde el edificio donde habitaba Rose.

Tras el inesperado éxito de “Suspiria” (1977), la productora 20th Century Fox, quien se encargó de distribuir el film en los Estados Unidos, estaba deseosa de repetir el éxito obtenido por la última cinta del italiano Dario Argento. Mientras el director esperaba en Nueva York que su colega George A. Romero finalizara el rodaje de “Dawn of the Dead” (1978), comenzó a gestar lo que sería su próximo proyecto, el que eventualmente se convertiría en la esperada secuela de “Suspiria”. Una vez que la 20th Century Fox se mostró interesada en financiar dicho proyecto, el productor Claudio Argento rápidamente aseguró un financiamiento adicional a través de algunos consorcios alemanes e italianos. Con tres millones de dólares de presupuesto, Daria Nicolodi, quien por ese entonces era pareja de Argento, comenzó a trabajar en la confección del guión junto al director. Sin embargo, su trabajo no sería acreditado. Eventualmente, la misma Nicolodi explicaría que al momento de estrenar “Suspiria”, tuvo un sinfín de problemas para que su humilde contribución en la construcción del guión fuese reconocida en los créditos de la producción, por lo que en esta ocasión optó por evitarse mayores inconvenientes y hacer un paso al costado.

“Inferno” en un primer momento se centra en una mujer llamada Rose Elliot, quien en una pequeña librería ubicada en la ciudad de Nueva York encuentra un libro llamada “Las Tres Madres”. El contenido de dicho libro no tarda en ejercer un extraño efecto en ella, lo que la lleva a intentar descubrir la conexión que tienen sus páginas con el edificio en donde ella reside. Al mismo tiempo que empieza a descubrir ciertas piezas del enigma en el cual se ha inmerso, Rose decide escribirle una carta a su hermano Mark, quien se encuentra viviendo en Roma, para contarle el problema en el que se ha metido. Intrigado por la carta de su hermana y por la aparición de una misteriosa mujer que parece tener un interés especial en él, Mark decide viajar a Nueva York para ayudar a Rose. Lamentablemente, a su llegada encuentra que su hermana ha sido asesinada en extrañas circunstancias. Motivado por el dolor y la curiosidad, Mark retoma la investigación iniciada por Rose sin imaginarse que la espantosa verdad que está a punto de descubrir tiene estrecha relación con lo sobrenatural, la magia negra y la muerte.

En esencia, “Inferno” se presenta como una película cruel y desorientadora. No solo carece de una trama del todo lógica o lineal, sino que además la violencia que exhibe es repentina y explícita, y está orquestada con el extravagante estilo visual que Argento desarrolló durante la realización de sus primeros trabajos. A diferencia de “Suspiria”, esta cinta no presenta un personaje con el cual el espectador logre sentirse identificado en algún grado, como sucedía con la heroína interpretada por Jessica Harper en la primera entrada de la trilogía de Argento. Sin embargo, podría decirse que la tesis central en ambos films es más o menos la misma: existe un mundo irracional y aterrador escondido tras la cortina de la mundana realidad, el cual una vez revelado da paso a un horror sin límites. Mientras que en “Suspiria” dicha cortina es removida durante el tramo final de la cinta, en “Inferno” la cortina ya no existe, por lo que los protagonistas desde el primer minuto se ven inmersos en un mundo caótico que amenaza con destruir por completo sus vidas. Es dentro de este contexto surreal que Argento inserta una serie de escenas de tinte onírico y carácter simbólico, cuya interpretación poco importa una vez que el espectador comprende que es necesario abandonar toda lógica para descubrir lo que se esconde en el edificio en el que habita Rose Elliot.

Complementando la idea de que “Inferno” se desarrolla en un mundo de tintes surrealistas, el edificio donde transcurre gran parte de la historia resulta ser un verdadero laberinto, un epítome de las casas oníricas; en su interior coexisten numerosas escaleras, habitaciones de estilo barroco, pisos falsos, lugares prohibidos y misteriosos, y conductos de ventilación que permiten escuchar todo lo que sucede en los diversos rincones del edificio, entre otras cosas. Además de todo esto, el lugar está habitado por enigmáticas figuras entre las que se encuentran Elise Stallone Van Adler (Daria Nicolodi), quien es la única amiga de Rose, y cuyo mayordomo de manera regular le inyecta una misteriosa sustancia cuyo efecto es desconocido; Carlo (Gabriele Lavia), el extraño conserje del edificio; un misterioso anciano (Feodor Chaliapin) que utiliza una silla de ruedas, y su silenciosa y algo siniestra enfermera (Veroniz Lazar). En gran medida, Argento utiliza una lógica onírica no solo para preparar al espectador para lo impredecible o lo esencialmente abstracto, sino que además para enmascarar ciertas falencias e inconsistencias del guión, el cual ha sido ampliamente criticado durante el transcurso de los años.

Si hay algo que sin duda resulta destacable de “Inferno”, es su llamativo apartado visual. Si bien Romano Albani se encargó de gran parte de la dirección de fotografía, para asegurarse de que el film presentara la estética deseada, Argento convocó a quien es por muchos considerado como un verdadero maestro del cine de horror italiano, el mítico Mario Bava. De esta forma, Bava se encargaría de crear algunos de los efectos ópticos, un par de pinturas y varios trucos de cámara que posteriormente dotarían a “Inferno” de la estética tan particular que posee. Además de todo lo antes mencionado, Bava se encargó de diseñar el edificio donde se desarrolla la trama, trabajó encabezando la segunda unidad de dirección junto a su hijo Lamberto, y tuvo que reemplazar durante un tiempo al mismísimo Argento cuando este tuvo que ausentarse debido al severo caso de hepatitis que sufrió durante el rodaje del film. Tal y como sucede en “Suspiria”, en esta ocasión predominan las tonalidades rojas y azules, las cuales no solo dotan al film de una atmósfera surrealista y opresiva, sino que además por momentos se convierten prácticamente en una forma de lenguaje que busca comunicarle al espectador el horror al que se ven expuestos los protagonistas de la cinta.

En relación a la banda sonora del film, esta estuvo a cargo del reconocido músico Keith Emerson. Lamentablemente, la música que compuso para “Inferno” carece de sincronización con las imágenes, tiende a presentar tiempos extraños y desorientadores, y finalmente no logra crear el efecto deseado durante gran parte de la cinta, con la excepción de un par de escenas bastante puntuales. En cuanto al aspecto interpretativo de la producción, las actuaciones van desde lo aceptable hasta lo derechamente mediocre. Mientras que Leigh McCloskey no resulta del todo convincente como el hombre llamado a descubrir la existencia de la Mater Tenebrarum, Irene Miracle interpreta de forma correcta a la joven que de forma voluntaria se sumerge en un mundo dominado por el horror y la muerte. Aún cuando “Inferno” es una de las mejores películas del irregular Dario Argento, probablemente hubiese resultado ser un film más efectivo si su trama no fuera tan críptica. Usando a la alquimia como metáfora, el director desarrolla un relato lleno de simbolismos los cuales nunca son del todo explicados. Al igual que el protagonista de la cinta, el espectador es expuesto a un oscuro misterio que parece no tener solución. En relación a esto, Argento declararía en una ocasión: “Cuando leí sobre la alquimia comencé a preguntarme ´¿Por qué?` Pero no existe un porqué. La alquimia tiene relación con el proceso, con el viaje, no con el objetivo. Eso es precisamente lo que representa `Inferno`: un oscuro viaje”.

por Fantomas.

Suspiria: Un asalto a los sentidos.

“Suspiria” (1977), es un film de terror del director Dario Argento, el cual está protagonizado por Jessica Harper y Udo Kier.

Suzy Bannion (Jessica Harper) es una joven que ingresa a una exclusiva academia de baile, la misma noche que asesinan a una de las alumnas. La subdirectora del establecimiento es la amable Madame Blanc (Joan Bennett), quien le brinda a la nueva alumna todas las comodidades y facilidades para que pueda estudiar tranquilamente. Sin embargo, tras una serie de extraños acontecimientos, la estancia de Suzy en el lugar se termina convirtiendo en una verdadera pesadilla.

Luego del éxito obtenido por “Profondo Rosso” (1975), el director Dario Argento deseaba embarcarse en un proyecto que lo alejara momentáneamente del mundo del giallo, para así adentrarse de lleno en los terrenos del horror sobrenatural. Con la intención de crear una historia que presentara una mitología propia, Argento pensó adaptar varios relatos del escritor H. P. Lovecraft. Sin embargo, tras considerar que era prácticamente imposible hacerle justicia a los textos de Lovecraft en la pantalla grande, el director optó por buscar nuevas fuentes de inspiración. Una de estas fuentes fueron los textos vívidos de Thomas De Quincy, en especial uno titulado “Suspiria de Profundis”, el cual contenía oscuras descripciones de una diosa romana llamada Levana, quien se creía que presidía el reconocimiento de los recién nacidos, y sus subordinadas, Nuestras Señoras de la Tristeza. Esta figuras mitológicas sentarían las bases de lo que posteriormente serían las Tres Madres, que no eran otra cosa más que una suerte de trinidad impía que controlaría el mundo de la oscuridad existente en la trilogía fílmica de Argento que comenzaría con “Suspiria”. Lewis Carroll, los Hermanos Grimm y Edgar Allan Poe también parecen haber tenido una fuerte influencia en el guión escrito por Argento y Daria Nicolodi, en el cual esta última también plasmó ciertos elementos presentes en los relatos de su abuela, quien tuvo una relación cercana con la magia negra durante su adolescencia.

En “Suspiria”, una joven y tímida bailarina llamada Suzy Bannion ingresa a una exclusiva escuela de danza ubicada en Friburgo, sin imaginarse que dicho lugar encierra un oscuro secreto, el cual tiene relación con la enigmática fundadora de la escuela, una mujer llamada Helena Marcos. Como si se tratara de una suerte de cuento de hadas convencional, el film se mueve entre un mundo realista y moderno, y otro directamente gótico y fantástico. Es en este contexto que el director rápidamente establece que la protagonista acaba de ingresar a un mundo en que nada es lo que parece, y donde quienes lo habitan se encuentran en constante peligro. Desde el abrupto cierre de la puerta del aeropuerto a su llegada, hasta la indolencia del chofer de taxi que la deja esperando bajo la lluvia a la entrada de la escuela, se hace patente la idea de que las figuras heroicas o compasivas son incapaces de habitar en un lugar donde la gente parece tener problemas para comunicarse entre sí, donde se mantienen oscuros y terribles secretos, donde ronda la muerte en cada rincón, y donde las autoridades hacen caso omiso a las llamadas de auxilio por el temor que les provoca descubrir la verdad que se esconde en la escuela dirigida por la ya mencionada Helena Marcos.

La sensación de que la historia se desarrolla siguiendo ciertos parámetros existentes en los cuentos de hadas, se hace completamente patente una vez que Suzy llega a la siniestra y extravagante escuela. Cabe mencionar que en el guión original escrito por Dario Argento y Daria Nicolodi, las protagonistas del film eran menores de edad, lo cual eventualmente tuvo que ser cambiado por el director para así evitar tener problemas con los organismos de censura de la época. Pese a esto, de todas formas Argento retrata a la protagonista como si se tratara de una niña atrapada en un mundo de matices oníricos, lo que se complementa con el actuar infantil de sus compañeras de escuela, y con la actitud autoritaria de las profesoras que trabajan en el lugar. Con la intención de plasmar con mayor fuerza la idea de que Suzy y sus compañeras son una suerte de peculiares niñas, Argento ordenó colocar los pomos de las puertas a gran altura para que las chicas tuviesen que estirar los brazos para abrirlas. Al mismo tiempo, resulta evidente que gran parte de los personajes del film responden a ciertos arquetipos folklóricos; mientras que Suzy se presenta como una joven inmersa en una búsqueda que la hará perder su inocencia, otros personajes actúan como canalizadores de la cruzada de la muchacha, y otros como la Señorita Tanner (Alida Valli), Madame Blanc y la elusiva Helena Marcos, se presentan como un trio de malevolentes figuras maternales cuya función es corromper a la protagonista y a su entorno. De esta forma, sería justo mencionar que “Suspiria” esencialmente se desarrolla en un ambiente de inocencia quebrantado por hechos abiertamente violentos, que le otorgan un cariz claramente surrealista al film.

Complementando lo antes mencionado, es necesario recalcar que aún cuando la academia donde se desarrolla la historia es un famoso edificio histórico construido en el año 1516 llamado “Zum Walfisch”, en el cual vivió el filósofo humanista Erasmus von Roterdam desde 1529 a 1531, este posee un aspecto irreal que refuerza la naturaleza sobrenatural del relato. Es por este motivo que no resulta extraño que entre sus paredes sucedan cosas espantosas e inexplicables, como que de súbito un grupo de murciélagos invada las habitaciones, o que comiencen a caer miles de gusanos del techo de las estancias, lo que sugiere que algo putrefacto se esconde en el lugar. Sin lugar a dudas, los grandes responsables de que la escuela presente un aspecto claramente surreal, son el director de arte Giuseppe Bassan y el director de fotografía Luciano Tovoli. Especial mención merece este último, cuyo uso del color, en especial del rojo y el azul, no solo dota al film de una atmósfera onírica, claustrofóbica y escalofriante, sino que además refleja los estados de ánimo de la protagonista, y cumple con advertirle al espectador que el peligro se cierne de forma constante sobre la cabeza de la indefensa Suzy.

En cierta medida, el elemento que logra amalgamar el aspecto visual del film y la por momentos ilógica trama, es la banda sonora compuesta por la banda italiana de rock progresivo Goblin. Y es que la palpitante y disonante música escrita por Claudio Simonetti y sus colaboradores, es la que eventualmente logra plasmar la idea que tras los asesinatos y los extraños acontecimientos que rodean a la escuela de danza, se esconde una explicación estrictamente ligada a lo sobrenatural, a la brujería y a las artes ocultas. En relación al aspecto interpretativo del film, Jessica Harper realiza una labor encomiable personificando a una heroína que se ve enfrentada a sus más grandes temores, y que de un momento a otro se ve obligada a madurar para así poder salir airosa de la encrucijada en la que se encuentra. Por otro lado, contrario a lo que se podría pensar, “Suspiria” es una de las películas menos violentas de Argento. Aún cuando el film sí contiene un par de escenas de asesinatos que resultan ser tan impactantes como atractivas visualmente hablando, el director en esta ocasión prefiere apoyarse en la atmósfera y el tono de la historia, al momento de sorprender y aterrorizar a un espectador que no puede evitar sentirse absorbido por la extravagante propuesta que presenta “Suspiria”.

Hoy en día, “Suspiria” sigue siendo recordada como una de las cintas más memorables del género, y como uno de los mejores trabajos de Dario Argento, quien en los últimos años ha sido incapaz de repetir lo hecho durante sus primeros años de carrera como director. Es precisamente en esta cinta donde el realizador populariza varias de las constantes que habrían de repetirse en sus obras posteriores, como por ejemplo su marcada extravagancia estética, la figura de la mujer como centro del horror, y su inclinación por la utilización de bandas sonoras disonantes y a ratos desorientadoras, entre otras cosas. En gran medida, la razón por la que “Suspiria” funciona de buena manera es porque Argento supo conjugar a la perfección un cuidado aspecto estético, una banda sonora memorable y atmosférica, y un guión que no solo fusiona y moderniza ciertos elementos de los cuentos infantiles, el horror gótico y la mitología ligada al ocultismo, sino que además establece un mundo surreal donde todo es posible, lo que permite que la mente del espectador fluya sin ningún tipo de límites.

por Fantomas.