Tron: El peligroso mundo de las computadoras.

“Tron” (1982), es un film de ciencia ficción dirigido por Steven Lisberger, y protagonizado por Jeff Bridges, Bruce Boxleitner y David Warner.

Cuando Flynn (Jeff Bridges) entra de manera ilegal en la computadora principal de la empresa en la cual trabajaba para probar que uno de sus proyectos fue robado por otro ejecutivo, termina enfrentándose a una aventura mucho mayor. Atraído al interior de la computadora por el Programa de Control Maestro, Flynn se une a los ciclos de luz y a Tron (Bruce Boxleitner), un programa de seguridad especializado, en un juego a muerte. Juntos van a librar la batalla más dura de sus vidas contra el Programa de Control Maestro, para decidir el destino del mundo electrónico, así como también el del mundo real.

Fue en el año 1976, tras ver una cinta de muestra de una compañía de computación llamada MAGI, y conocer el ahora mítico videojuego “Pong”, que el entonces animador Steve Lisberger desarrollaría un creciente interés por filmar una película que integrara de alguna manera el fascinante mundo de los videojuegos. Lisberger y su compañero de negocios, Donald Kushner, se mudaron a la Costa Este en 1977 y formaron un estudio de animación para desarrollar “Tron”. En un principio, la cinta pretendía ser predominantemente un film animado, que iba a incluir un par de secuencias de acción real, mientras que el resto del metraje iba a estar constituido por imágenes generadas por computadora. Teniendo esto en cuenta, Lisberger intentó financiar el proyecto de forma independiente, por lo que visitó un buen número de compañías dedicadas al rubro de la computación sin mayor éxito. Sin embargo, eventualmente la compañía Information International, Inc. se mostraría interesada en la idea del director. Fue tras hablar con Richard Taylor, representante de la empresa, que Lisberger comenzó a considerar la idea de fusionar las secuencias de acción real con imágenes generadas por computadora.

Para el momento en el que Lisberger habló con el representante de la compañía, ya había escrito el guión y tenía el storyboard completamente terminado. Dada la complejidad de intentar hacer accesible el mundo de la computación a todo el mundo, Lisberger y Kushner tuvieron que reescribir 18 veces el guión antes de sentir que la historia estaba bien armada. La idea que llevó a los guionistas a crear el mundo de Tron surgió gracias a John Norton, quien diseñó un personaje hecho de luz. El diseño de este guerrero de neón, a los ojos de Lisberger, parecía pertenecer a un mundo electrónico. Una vez creado dicho personaje, el siguiente pasó seria situarlo en un lugar específico, y que mejor que ubicarlo en una dimensión electrónica. Una cosa terminó guiando a la otra, y así nació el mundo de Tron.

Habiendo gastado alrededor de 300.000 dólares durante el desarrollo de “Tron”, y tras haber asegurado alrededor de cuatro millones de dólares mediante distintas empresas, Lisberger y compañía llevaron su historia y algunas secuencias generadas por computadora a la Warner Bros, la MGM y la Columbia Pictures, todos los cuales rechazaron el proyecto. En el año 1980, ellos decidieron llevar la idea a la Disney, empresa que en aquel entonces se encontraba interesada en producir ideas más arriesgadas. Sin embargo, los ejecutivos de la Disney no se sentían cómodos con la idea de otorgarles entre 10 a 12 millones de dólares de financiamiento a un productor y un director primerizos, más aún teniendo en cuenta que pretendían utilizar una técnica que no había sido probada con anterioridad. Tan solo tras asistir a la presentación de una escena de prueba, los ejecutivos accedieron a financiar la cinta. Posteriormente el guión fue reescrito nuevamente, esta vez bajo el control del estudio.

Estando situados en una época en que los efectos especiales son cada vez más espectaculares, y en que la animación realizada por computadora es frecuentemente utilizada, “Tron” aparece como una total obra de culto. Lisberger y compañía no solo logran construir un universo computarizado imaginario que goza de cierta credibilidad, sino que además lograron marcar a toda una generación mediante el uso de efectos especiales innovadores. Usando las computadoras como herramientas, el director y los responsables de la Disney lograron integrar a actores humanos en el mundo imaginario de Tron de forma tan eficiente, que son muy pocas las ocasiones en las que uno tiene la sensación de que tan solo se trata de un actor situado frente a una pantalla que está proyectando los efectos especiales, lo cual es absolutamente meritorio teniendo en cuenta el año en el que la cinta fue realizada.

Gran parte del encanto de la película reside en el diseño de este mundo, de sus habitantes y de los objetos que estos utilizan. Los artistas conceptuales de esta cinta fueron Syd Mead (famoso por su trabajo en “Blade Runner”) y el conocido dibujante de cómics Jean Giraud “Moebius”. Más allá de la estética que presenta el film, “Tron” es una de las primeras representaciones cinematográficas del mundo virtual y de la interacción entre los usuarios y los softwares que utilizan (donde se establece una suerte de relación padre e hijo), dotando a estos últimos con la capacidad de pensar por cuenta propia (en ese aspecto, no es la primera ni la última película que le otorga características humanas a las máquinas). Pero “Tron” también es acerca de los videojuegos y la diversión que estos son capaces de generar. Y es que durante el transcurso de la historia somos testigos de carreras mortales a toda velocidad, de persecuciones, y de combates/juegos hasta la muerte, entre otras cosas, los que son retratados con tintes lúdicos como si se tratara de las etapas de un videojuego.

Desafortunadamente, a la cinta no le fue muy bien económicamente al momento de su estreno, principalmente porque los espectadores de aquel entonces no sabían que esperar de la película. Curiosamente, el videojuego basado en la cinta, lanzado tan solo dos años después de su estreno, obtuvo una mayor cantidad de ganancias que el mismo film. En “Tron” se utilizaron por primera vez efectos en 3-D generados por computadora, reemplazando el uso de miniaturas, modelos a escala y pinturas. La cinta contiene más de 40 minutos de animación computarizada combinada con elementos de acción real, las cuales fueron filmadas utilizando una pantalla negra. Como era de esperarse, la utilización de estas nuevas técnicas significó todo un reto para los actores. De hecho, fue debido a esto que el actor Peter O´Toole rechazó el papel de Dillinger/Sark en esta cinta.

En cierto modo, “Tron” es una suerte de versión moderna de “Metropolis” (1927), del director Fritz Lang, donde se intenta ir más allá de los límites establecidos por la tecnología, a la vez que se relata una historia de tiranía en un mundo que es extraño, pero que resulta de alguna forma familiar. El film es ahora considerado como una cinta de culto, además de ser uno de los claros precursores de la era del cine digital. Si bien fue concebida y escrita con un sólido conocimiento en el área de la computación, los guionistas logran que el espectador no se sienta desorientado por tanto término extraño, sin la necesidad de utilizar aburridas explicaciones. El mundo que se nos presenta es intrigante y deslumbrante, donde el obvio desfase tecnológico más que ser un punto en contra, apela a la nostalgia de todos aquellos que crecieron jugando con los primeros videojuegos que salieron al mercado. Es por este motivo que “Tron” es considerada como la película que marcó un antes y un después en lo que se refiere al uso de la computación en el cine.

por Fantomas.

Maestros de la Animación: Studio Ghibli, La fábrica de sueños de Hayao Miyasaki y Isao Takahata.

Establecido en el año 1985 por la productora Tokuma Shoten Publishing, el Estudio Ghibli es un estudio de animación ubicado en Japón, el cual está dirigido por Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Toshio Suzuki. Debido a que se enfoca principalmente en largometrajes de gran factura técnica, los Estudios Ghibli realizan alrededor de un film por año. Estas obras han sido merecedoras de númerosos premios, entre los que se encuentra el Oscar a la mejor película animada por “Spirited Away” (2001), la cual además se convirtió en un éxito de taquilla al momento de su estreno y termino de elevar a Miyazaki como un genio de la animación.

En el año 1982, Hayao Miyazaki comenzó a escribir el manga, “Nausicaä del Valle del Viento”, el cual era publicado por Tokuma Shoten. Al año siguiente, Miyazaki decide adaptar el manga al cine, para lo cual contrata como productor a Isao Takahata, quien había trabajado con él en Toei Animation como asistente de director y ejecutivo. Cuando “Nausicaä of the Valley of Wind” (1984) fue estrenada, resultó ser todo un éxito tanto a nivel económico como artístico. Fue este inesperado resultado el que gatillaría la fundación de los Estudios Ghibli en 1985 por la productora Tokuma Shoten Publishing, compañia encargada de la producción de la cinta. Ese mismo año, el Estudio produjo el largometraje animado, “Laputa: The Castle in the Sky”, dirigido también por Miyazaki. Desde aquel entonces, el Estudio se ha dedicado a producir largometrajes animados, siendo la gran mayoría dirigidos bien por Miyazaki o por Takahara.

Para los que no lo sepan, la palabra Ghibli cuyo significado es “viento caliente que sopla a través del desierto del Sahara”, fue utilizada en la Segunda Guerra Mundial por los pilotos italianos en referencia a sus aviones de reconocimiento. Como a Miyazaki es un fanático de los aviones, decidió ocupar esta palabra para nombrar al Estudio. Y es que precisamente los trabajos del Estudio pretendian llegar como una fuerte brisa a revitalizar el mundo de la animación japonesa. La verdad es que la géstación de los estudios Ghibli comezaría mucho antes del estreno de “Nausicaä”. Tanto Hayao Miyazaki como Isao Takahata habían trabajado en el estudio Toei-Doga. Si bien alcanzaron a trabajar en algunas cintas del estudio, en cierto momento se vieron obligados a trabajar en producciones realizadas para la televisión. Una de estas series de televisión fue “Heidi” (1974), la cual fue animada por Miyazaki y dirigida por Takahata, y la que marcó un hito en el mundo de la animación realizada para la televisión.

No pasaría mucho tiempo antes de que ambos directores se dieran cuenta de que los bajos presupuestos y el poco tiempo que se manejaba en el medio televisivo, les impedia realizar obras de mayor calidad artística. Esta fue la principal motivación para que tanto Miyazaki como Takahata, decidieran crear el Estudio luego del estreno de “Nausicaä”. La idea era dedicarle toda la energía posible a cada uno de los proyectos que emprendieran, sin escatimar en tiempo o presupuesto, y jamás compreter la calidad visual o el contenido de los mismos. Debido a que ninguno de los dos directores pensó que el estudio sobreviviría mucho tiempo, fue extremadamente precabidos en sus inicios. No contraban empleados a tiempo completo, sino que mantenian a alrededor de 70 personas de manera temporal, hasta que completaran una película, tras lo cual el equipo era desmantelado. El lugar de trabajo no era más que un piso rentado en un edificio ubicado en los suburbios de Tokyo. Todas estas políticas eran implementadas por Takahata, cuya habilidad como empresario contribuyó en gran medida a sostener el estudio.

En 1988 los Estudios Ghibli estrenarían al mismo tiempo “Mi Vecino Totoro”, dirigida por Miyazaki, y “La Tumba De Las Luciérnagas”, dirigida por Takahara. El lanzamiento simultáneo de ambas producciones resultaría más caótico de lo esperado. La sola idea de que el estudio intentara realizar dos cintas al mismo tiempo, donde ninguno de los directores estaba dispuesto a sacrificar la calidad de sus trabajos con tal de cumplir con el plazo impuesto, parecía imposible. Sin embargo, estaban concientes de que era una oportunidad que no podían dejar pasar. Yasuyoshi Tokuma, presidente de Ghibli y de Tokuma Shoten en aquel entonces, fue sumamente importante en el proceso de comercialización de ambas cintas. Fue él quien se encargó de hablar con los distribuidores, de publicitar las producciones, y quien finalmente lograría el contrato que permitió el estreno de las mismas.

Los resultados a nivel de taquilla de “Totoro” y “La Tumba de las Luciérnagas” no sería el esperado debido a un retraso de su fecha de estreno, desaprovechando la época de mayor asistencia a las salas de cine. Sin embargo, ambas cintas recibieron un sinnúmero de elogios debido a la calidad de dichos trabajos. Mientras que “Totoro” sería la cinta que más premios ganaría en Japón dicho año, la obra de Takahara sería considerada como una verdadera obra de arte. Curiosamente, al estrenar esta películas ganarían algo más que el reconocimiento de la industria cinematográfica japonesa. “Totoro” le abriría un nuevo campo de negocios al estudio: la venta de juguetes. Gracias a la venta de artículos promocionales de la película, Ghibli pudo cubrir cualquier tipo de déficit surguido por los costos de producción. Además, Totoro fue adoptado como el nuevo logo de la compañia, convirtiéndolo en uno de los personajes más reconocidos de la factoria de Miyazaki y compañia.

El primer gran éxito del estudio a nivel financiero sería la cinta “Kiki´s Delivery Service” (1989), dirigida por Miyazaki. Pese a los beneficios que esto conllevaba, al interior del estudio existía una creciente preocupación por un tema en particular: el reclutamiento y la contratación del staff de la compañia. El mayor problema con esto, era que pese a que las condiciones eran más favorables para estudio, la industría de animación japonesa no se encontraba en su mejor momento. Sería entonces cuando Miyazaki propondría contratar empleados de tiempo completo y comenzar a entrenarlos para así establecer una organización sólida. Dicho plan se pondría en marcha en la siguiente producción de los estudios, “Only Yestarday” (1991). La película se convirtió en otro éxito de taquilla, sin embargo el plan de Miyazaki tendría una importante consecuencia: los costos de producción se habían ido a las nubes.

Para no perder dinero inútilmente (hay que recordar que los animadores ahora recibían un salario mensual), Miyazaki comenzó a trabajar en su próxima cinta, “Porco Rosso” (1992), al mismo tiempo que el resto del equipo se encontraba terminando “Only Yesterday”. Esto le significó tener que trabajar completamente sólo en la primera etapa de dicha producción. Fue en ese momento que tuvo otra genial idea; porque no construir un nuevo estudio para intentar captar a los mejores talentos en el campo de la animación japonesa. Era claro que para Miyazaki la mejor forma de solucionar un problema era metiéndose en uno peor. Pese al riego económico que significaba construir un nuevo estudio, Miyazaki comenzó a trabajar en los planos y en todo los detalles de la construcción de este nuevo edificio, al mismo tiempo que trabaja en “Porco Rosso”. Un año más tarde, tanto su cinta como su estudio estaban casi terminados al mismo tiempo. Inmediatamente luego del estreno de la cinta, qu dicho sea de paso, resultó ser sumamente éxitosa, sobrepasando incluso al film “Hook” (1991) de Steven Spielberg, y a la producción de la Disney, “La Bella y la Bestía” (1991), Ghibli se trasladó al nuevo estudio.

En 1993, Ghibli produciría su primera animación para la televisión llamada, “The Oceans Waves”. Tomomitsu Mochizuki estaría a cargo de la dirección, siendo la primera persona distinta a Miyazaki o Takahata, que dirigiera un proyecto del estudio. Luego vendría el estreno de “Pom Poco” (1994), esta vez a cargo de Takahata, otra cinta que marcharía triunfante por las salas de cine, y que además presentaba la particularidad de ser la primera de las producciones del estudio en la cual se utilizaban gráficos generados por computadora. Fue durante este periodo que las obras del estudio lograrían traspasar fronteras, cuando la 20th Century Fox estrenó con gran éxito “Mi Vecino Totoro” en los Estados Unidos. Junto con esto, “Pom Poco” fue seleccionada para representar a Japón en los premios Oscar como Mejor Película Extranjera.

Para “Whisper of the Heart” (1995), Ghibli cambió las tareas del equipo creativo: Miyazaki se haría cargo de la producción, el guión y la continuidad, y Yoshifumi Kondo, quien había sido el director de animación de tres de los films del estudio, sería el director de la cinta. Además se experimento con las más avanzadas técnicas digitales en varios de los departamentos. Luego de su estreno, Ghibli comenzó con la producción de “Princess Mononoke” (1997). La cinta, dirigida por Miyazaki, se presentaba como un nuevo reto debido a la gran cantidad de tecnología que se quería aplicar en su desarrollo. La cinta tuvo una increíble aceptación en Japón, sin embargo en los Estados Unidos no le fue tan bien debido a que solo fue exhibida en un número reducido de salas. “My Neighboors the Yamatas” (1999), de Isao Takahata, cerraría la década de los noventa para el estudio, que en los años siguientes pasaría a ocupar un lugar de honor en la industria cinematográfica a nivel mundial.

Las producciones siguientes marcarían la consolidación del estudio y sus trabajos a nivel internacional, en especial gracias a los múltiples galardones (entre ellos un premio Oscar) obtenidos por la cinta “Spirited Away” (2001). Aunque el estudio en los últimos años se ha dedicado más a producir cortos, que en su gran mayoría han sido dirigidos por Miyazaki, lanzó cintas “Tales From the Earthsea” (2006), dirigida por su hijo Goro, “The Cat Returns” (2002), de Hiroyuki Morita, y las mas recientes obras de Miyazaki; “Howl´s Moving Castle” (2004) y “Ponyo on the Cliff” (2008). Los Estudios Ghibli se han caracterizado a través de los años por producir cintas de un alto nivel artístico, que son sumamente entretenidas y cuyos mensajes son más profundos de lo que parecen. Y esto es gracias a que sus fundadores jamás transaron los ideales sobre los que se construyo dicha empresa. Cada una de sus producciones son tratadas con especial cuidado y dedicación, por lo que es entendible porque todas las películas salidas de este estudio son verdaderas joyas de la animación.

por Fantomas.

Bernard Herrmann: Un genio con un temperamento explosivo.

Pese a que él compuso la música de una gran cantidad de series de televisión, obras de teatro y obras de radioteatro, Bernard Herrmann es mayormente conocido por sus incomparables bandas sonoras realizadas para el cine. Bernard Herrmann nació en Nueva York el 29 de junio de 1911. Pese a no provenir de una familia de músicos, es debido a la influencia de su padre que el pequeño Bernard comienza a desarrolla un creciente interés por la música. Su padre desde temprana edad, lo llevaba frecuentemente a él y a su hermano a la ópera y a conciertos de música clásica, además del hecho que los incentivó a tocar un intrumento (en el caso de Bernard se trató de un violin). El joven Herrmann demostraría su habilidad innata como músico y compositor a los doce años, donde ganaría un premio por una canción que él mismo compuso. Su educación musical continuaría en la Universidad de Nueva York, donde estudió composición, y en la Julliard School of Music. A los 18 años se encontraba conduciendo su propia orquesta, comenzando una carrera que dejaría una huella enorme en el mundo del cine.

Su primer triunfo laboral fue el logro de un contrato con la Columbia Broadcasting System en el año 1934, que consistía en la composición de la música que acompañaria los programas educacionales desarrollados por la empresa, además de conducir la orquesta sinfónica de la CBS. Ese trabajo lo llevaría a componer la música de algunas obras de radioteatro, ámbito donde pronto se destacaría. Sería en este media donde conocería a un joven Orson Welles, con quien entablaría una amistad además de una sociedad laboral, que incluyo la composición de la infame adaptación de la novela de H. G. Wells, “The War Of The Worlds”, transmitida el año 1938 y que causó un pánico generalizado en norteamerica debido a que muchos de los auditores pensaron que la Tierra era victima de una invasión marciana. Seria gracias a esta amistad con Wells que Herrmann llegaría a Hollywood. En el año 1939, Welles le pidió a Herrmann que lo acompañara a Hollywood para que se encargara de componer la banda sonora de “la mejor película de todos los tiempos”, “Citizen Kane” (1941). Cuando su próxima banda sonora para la película, “The Devil & Daniel Webster” (1941), ganara un premio Oscar, su futuro parecía asegurado.

Con al excepción de la banda sonora del la segunda cinta de Welles, “The Magnificent Ambersons” (1942), la gran mayoría de la composiciones que Herrmann realizó durante la década de los cuarenta, lograron de manera exitosa mezclar intrigantes ideas orquestales con momentos musicales más dramáticos, creando de esta forma bandas sonoras sumamente atrayentes. Un ejemplo de esto es la banda sonora que compuso para la cinta “Jane Eyre” (1944), la cual es en esencia romántica, aunque con tonos bastante oscuros. Curiosamente, mucha de la música de esta película, fue utilizada con anterioridad por Herrmann en una narración de la novela de Daphne Du Maurier, “Rebecca”, que se había realizado en la radio. El hábito de reutilizar elementos de sus anteriores trabajos se repetiría en numerosas ocasiones durante su carrera.

En “Hangover Square” (1945), cinta en la que el protagonista es un músico que se encuentra al borde de la locura, Herrmann pudo explorar uno de sus temas favoritos: la obsesión. Más tarde en su carrera, el compositor tendría la misión de musicalizar films cuyos protagonistas estaban guiados por una psicología algo torcida, por lo que el tema de la obsesión dio nacimiento a las composiciones más potentes del artista. Otras bandas sonoras notables realizadas por Herrmann durante los cuarenta fueron las de las cintas “Anna and the King of Siam” (1946), la que le valió una nominación al Oscar, y la de la película “The Ghost and Mrs Muir” (1947). Sería la música de esta última, la que con el tiempo se volvería en la composición favorita de Herrmann.

La década del cincuenta sería el periodo más éxitoso de Herrmann, tanto en el ámbito laboral como creativo. Entre los trabajos de esa época se encuentran las bandas sonoras de: “The Day The Earth Stood Still” (1951), en la cual utiliza el theramin, un instrumento que lograba dar la impresión de que la música había sido tocada con instrumentos electrónicos; “The Snows of the Kilimanjaro” (1952); “The Kentuckian” (1955); y de la cinta “The 7th Voyage of Sinbad” (1958), entre otras. Sin embargo, el hito más importante de este periodo fue el inicio de la celebrada sociedad entre Herrmann y Alfred Hitchcock. Muchos de los temas tratados en las cintas del inglés eran del interés del músico. Las complejas dicotomías de la realidad/fantasía, atracción/repulsión y obsesión/desprendimiento, eran conceptos que generalmente uno puedo encontrar en la música del compositor. Desde “The Trouble with Harry” (1955), hasta “Torn Curtain” (1966), la sociedad Hitchcock/Herrmann demostró ser una de las más inventivas y eficientes de la cinematografía.

Si bien toda la música que compuso Herrmann para los films de Hitchcock juega una parte importante en las mismas, casi como si se tratara de un personaje más, la banda sonora compuesta para la cinta “Vértigo” (1958), sería la que lo ubicaria en un nivel distinto al resto, siendo también una de sus más discutidas obras. Es en esta película donde se nota más como la música de Herrmann marca cada uno de los momentos de la historia, ya sea llenándolos de una sensación de tensión e inminente peligro, o impregnándolos de dramatismo y nostalgía. Luego vendría la banda sonora de “North by Northwest” (1959), y la de “Psycho” (1960), cinta que cimentaría tanto la reputación del compositor como la del director. Utilizando solo instrumentos de cuerda, Herrmann logra un efecto drámatico potente y una banda sonora inolvidable. Finalmente vendrían “The Birds” (1963), cinta en la cual Herrmann oficiaría como encargado de los efectos de sonido, “Marnie” (1964) y “Torn Curtain”, donde el trabajo de Herrmann no logró satisfacer al director, por lo cual sería el compositor John Adisson quien finalmente se haría cargo de la banda sonora. Este sería el fin de una sociedad éxitosa, pero fuertemente marcada por un tremendo choque de egos, que tarde o temprano iba a terminar estallando.

Afortunadamente no todas las relaciones laborales de Herrmann resultaron desagradables. La más lucratica de estas sociedades fue aquella que entabló con el productor Charles Schenner, cuyos films fantásticos solían utilizar los ingeniosos efectos en stop-motion del artista, Ray Harryhausen. A pesar de que en un principio Herrmann se mostraba algo indeciso con la idea de crear música para este tipo de cintas, terminó aceptando la composición de la banda sonora de la primera película a color de Harryhausen, “The 7th Voyage of Sinbad” (1958). El éxito a nivel artístico de esta cinta, daría como resultado que Herrmann también compusiera la música de: “The 3 Worlds of Gulliver” (1960), y “Mysterious Island” (1961). Sin embargo tras esta última, la relación laboral entre Herrmann y Schenner comenzó a deteriorarse, principalmente por la peticiones económicas del compositor. De todas formas, Herrmann compuso una banda sonora más para el productor, la de la mítica “Jason and the Argonauts” (1963).

Los films de Harryhausen no serían las únicas cintas del género fantástico en las que Herrmann trabajaría durante las décadas de los cincuenta y sesenta. El músico también compondría las bandas sonoras de “Journey to the Centre of the Earth” (1959), y la de “Fahrenheit 451” (1966). En todas estas películas, Herrmann dejaría claro su capacidad de crear música que captaba la esencia de los mundos fantásticos que eran exhibidos en la pantalla. Luego del problema acontecido en “Torn Curtain”, Herrmann pronto vió como su música comenzaba a volverse impopular en Hollywood. Durante los últimos cinco años de su vida, el músico comenzó a ser requerido por un número de cineastas en ascenso. Directores como Brian De Palma, Martin Scorsese y Larry Cohen, trabajarían junto al compositor. De este periodo lo más rescatable son las colaboraciones en las cintas “Sisters” (1973) y “Obsession” (1976), de Brian De Palma, y en “Taxi Driver” (1976), de Martin Scorsese, banda sonora que marcaría el fin de su carrera junto con ser la única en la que el compositor mezclaría la orquestación clásica con elementos propios del jazz.

Herrmann también musicalizó algunas series de televisión como “The Twilight Zone”, “The Alfred Hitchcock Hour”, “The Virginian” y “Have Gun Will Travel”. Bernard Herrmann fue un hombre complejo cuyo explosivo temperamento y su intolerancia hacia los músicos mediocres lo convirtieron en un personaje con el cual costaba crear una buena atmósfera de trabajo. Era un hombre abierto, culto y sumamente inteligente, cuyo intenso interés en el cine y el medio drámatico le permitió dar vida a muchas de las bandas sonoras más recordadas de la historia del cine. Su trabajo logró cobrar la misma importancia que las imágenes, las actuaciones y el guión. Es indudable que las cintas en las que trabajó no serían las mismas sin sus composiciones, las que lograban transmitir emociones, insertarnos en mundos fantásticos o sencillamente mantenernos al borde de nuestros asientos.

por Fantomas.

Mad Max: Una venganza a todo velocidad.

“Mad Max” (1979), es un thriller de acción del director George Miller, el cual está protagonizado por Mel Gibson, Joanne Samuel y Hugh Keays-Byrne.

Australia, en un futuro próximo. La Fuerza Central de Patrullas (MFP) se encarga de monitorear las carreteras y atrapar a las pandillas de motociclistas que se dedican a aterrorizar a los pueblos de la zona. Entre sus integrantes se encuentra Max Rockatansky (Mel Gibson), el principal interceptor de la fuerza. Max junto a algunos de sus compañeros, participa en una peligrosa operación cuyo objetivo es detener a un demencial pandillero conocido como el Jinete Nocturno, pero este perece en un accidente de tránsito. Al enterarse de la noticia, el resto de la banda del Jinete Nocturno, liderada por el Cortador de dedos (Hugh Keays-Birne), decide tomar represalias. Con su esposa en grave estado y su hijo muerto, Max se lanzará como una furia a las carreteras en búsqueda de venganza.

George Miller era doctor en el Melboune Hospital cuando conoció al cineasta amateur Byron Kennedy en una escuela de cine en 1971. Luego de realizar un par de cortos financiados con fondos del estado, la pareja pasó tres años buscando como financiar su primer largometraje. Escrita por Miller en compañía del guionista James McCausland, la historia de “Mad Max” reflejaba el miedo causado por la crisis del petróleo de 1973, y por las estadísticas que anunciaban que los últimos grandes pozos petroleros se habían encontrado a mediados de los sesenta. Con la escasez de petróleo existente, el futuro no se veía muy alentador. De la misma forma, el relato venía a ser una suerte de respuesta al distintivo culto australiano por los automóviles, que según la visión de estos guionistas, en especial de Miller, era tan peligroso como el culto a las armas reinante en Norteamérica. Con el fin de recopilar información al respecto, Miller trabajó un tiempo en una sala de emergencias, lugar en el cual le tocó atender a múltiples víctimas de accidentes de tránsito. La violencia sin sentido (en este caso a bordo de un vehículo motorizado) y las consecuencias físicas que esta conlleva, eran los componentes claves de una cinta que presenta un futuro distópico en el cual las carreteras se han convertido en campos de batalla, y donde violentos bandidos son perseguidos por policías dispuestos a llegar hasta las últimas consecuencias con tal de capturarlos.

La película contó con un presupuesto de 380.000 dólares, los cuales estaban constituidos por las ganancias de Miller como doctor, la inversión realizada por los dueños de diversos talleres mecánicos, y por la suma entregada por la rama internacional de los estudios Warner y la distribuidora Village Roadshow. El inicio de las filmaciones se fijó para el otoño de 1977, por lo que Miller y Kennedy decidieron utilizar su tiempo para buscar a actores desconocidos que estuvieran dispuestos a participar en el proyecto. Varios estudiantes del prestigioso Instituto Nacional de Artes Dramáticas se presentaron al casting, quedando seleccionados Steve Bisley y un joven de 21 años llamado Mel Gibson. La dupla de jóvenes actores solo había interpretado a unos surfistas en un film de bajo presupuesto titulado “Summer City” (1977). Si bien en aquella cinta Bisley obtuvo el papel protagónico, mientras que Gibson tan solo obtuvo un papel secundario, en “Mad Max” los roles se invirtieron. Gibson interpretaría al protagonista, y Bisley interpretaría al mejor amigo de Max, el oficial Jim Goose.

Lo que intenta Miller y compañía con “Mad Max” es unir varios géneros, entre los que podemos distinguir el western, las historias de vigilantes y las road movies (en especial el subgénero de los bikers, explotado por ciertos directores como Roger Corman durante las décadas de los sesenta y setenta). Sin embargo, los elementos de cada género no se mezclan de forma pareja. El supuesto escenario futurista es casi inexistente (de hecho, gran parte de la historia se desarrolla en paisajes rurales), por lo que en más de una ocasión se ha mencionado de que la idea de que la acción se desarrolle en un futuro cercano, es tan solo una excusa para mostrar a un grupo de patrulleros forrados en uniformes de cuero negro, quienes conviven con peligrosos pandilleros en una suerte de paraíso fetichista. Y es que a decir verdad, el guión dista de ser perfecto, evidenciando una historia a ratos algo débil, diálogos simplistas y un escaso desarrollo de los personajes. Contrario a lo que se podría pensar, la principal fortaleza de la cinta radica en que no pretende ser algo que no es. Simplemente se trata de una película que busca entretener al espectador, la cual se mueve de una persecución a otra, de un accidente a otro, y donde la violencia y la acción sobresalen por sobre todas las cosas.

La historia es relatada de manera episódica, donde el primer episodio está conformado por una persecución de once minutos que el director utiliza para presentarle a la audiencia el mundo “futurista” donde se desarrolla la cinta. Dentro de esa misma secuencia, se encuentra el hecho que terminará desencadenando gran parte de los conflictos de la trama, los cuales inevitablemente llevarán a Max Rockatansky a los terrenos de la locura mientras este emprende una cruzada implacable de venganza. La horrible cadena de eventos que suceden entre la persecución inicial y el hecho que desencadena la respuesta desenfrenada de Max, van preparando al espectador para el brutal tramo final. Es quizás por el gran número de sucesos violentos e impactantes que presenta la cinta, que esta no tardó en ganar la reputación de ser un film en extremo violento. Lo curioso de todo esto, es que gran parte de la violencia ocurre fuera de cámara (posiblemente por la falta de presupuesto). Mientras que los accidentes automovilísticos, las explosiones y ciertas muertes son mostradas con lujo de detalle, los hechos más viscerales de la historia (como la muerte de la esposa y el hijo de Max) solo son insinuadas por el director.

En lo que respecta a las actuaciones, Mel Gibson realiza un buen trabajo personificando al héroe de turno, aunque su interpretación mejoraría sustancialmente en la segunda cinta de la saga. El resto de los actores se mueven entre lo regular y lo mediocre, en especial el actor Hugh Keays-Birne, quien además tiene diálogos bastante malos. De todas formas, la cinta se convirtió en un hit internacional. Cuando George Miller y Byron Kennedy fueron persuadidos para realizar una secuela, estos consiguieron sin ningún problema cuatro millones de dólares de presupuesto. Aunque la siguiente película, “Mad Max 2: The Road Warrior” (1981), es superior en muchos aspectos al film original, el debut de Miller funciona de buena manera debido a su crudeza, la energía que emanan algunas de sus secuencias (en especial aquellas que implican persecuciones), y al simplismo de su historia. Todo esto invita al espectador a disfrutar sin mayores preocupaciones una cinta por sobretodo masculina. “Mad Max” es una película que con el transcurso de los años se ganó el estatus de film de culto, principalemente debido a que por mucho tiempo lideró el subgénero de las road movies, razón por la cual no solo dio paso a dos secuelas de buena factura, sino que además lanzó la carrera del ahora exitoso Mel Gibson.

por Fantomas.

Amarcord: ¿Recuerdos o productos de una vívida imaginación?.

“Amarcord” (1973), es una cinta semiautobiográfica con toques de comedia, dirigida por Federico Fellini, y escrita en conjunto con Tonino Guerra. El film está protagonizado por Magali Noel, Bruno Zanin, Pupella Maggio y Armando Brancia.

Descripción de la vida cotidiana de la gente de un pueblo en el norte de Italia durante los años del fascismo, en la década de los treinta.

“Amarcor” es una palabra que en italiano coloquial significa “yo me acuerdo”. El director Federico Fellini buscaba un título y según el mismo cuenta, mientras almorzaba con un amigo escribió en una servilleta la palabra “hammarcord”, la que no tenía significado alguno pero que le recordaba la palabra del dialecto mencionado. Cuando la cinta era solo un proyecto, su nombre era “Hammarcord-L´uomo invaso”, pero al momento de distribuirla quedó reducido a “Amarcord”. Fue estando convaleciente de una grave enfermedad en 1966, que Fellini escribió un ensayo llamado “Mi Rimini”, en el que bosqueja el origen de esta cinta. El director y su co-guionista, Tonino Guerra, se dedican a contarnos anécdotas que pudieron haber ocurrido en un lapso algo mayor a un año, las cuales están reunidas de forma episódica. Una vez terminado el guión, Fellini abandona al productor Turi Vasile que lo había acompañado en “Roma” (1972), y encuentra un nuevo productor en la figura de Franco Cristaldi, quien consigue que la Warner Brothers logre financiar parte del proyecto.

La cinta se centra en una familia típica de la época que bien podría tener más de una referencia autobiográfica (aunque con Fellini esto nunca es seguro). Dicha familia está compuesta por Aurelio (Armando Brancia), un trabajador anti-fascista que se convirtió en constructor, logrando así tener una situación económica más bien buena; su esposa Miranda (Pupella Maggio), una mujer histérica que responde al estereotipo de la madre italiana típica, la cual adora a sus hijos y al inútil de su hermano; Lallo, más conocido como Il Pataca (Nando Orfei), un gigoló que utiliza su uniforme fascista para conquistar turistas nórdicas; y Titta (Bruno Zanin), un personaje que es usualmente identificado con el mismo Fellini, pero la verdad es que está basado en uno de los mejores amigos que el director tuvo durante su adolescencia. La familia también incluye a una sirvienta, otro hijo, el tio Teo (Ciccio Ingrassia), quien se encuentra internado en un asilo mental, y el abuelo de Titta (Peppino Ianigo), cuya vida se encuentra dominada por sus fantasías sexuales.

El resto de los personajes que componen esta cinta son un grupo de figuras que bien podrían haber salido de una tira cómica. Tanto los compañeros de clase de Titta como sus profesores, son claramente caricaturas que no pretenden representar de manera realista el mundo provincial. Incluso las figuras que obviamente están ligadas al régimen (el jerarca fascista local y el federale que visita el pueblo el 21 de abril para celebrar sus orígenes “romanos”) responden a esta representación caricaturesca. Otros personajes del pueblo son una ninfómana llamada Volpina; Giudizio, el idiota del pueblo; Gradizca (Magali Noël), el objeto del deseo de todos los hombres del pueblo, en especial de Titta; un cura llamado Don Balosa, quien parece estar más preocupado por el hábito de la masturbación de los jóvenes que sueñan con Gradisca, que por los pecados realmente importantes; el dueño del Cinema Fulgor, quien se hace llamar “Ronald Colman” en homenaje al cine americano, que no es más que la fuente de las fantasías de los habitantes del pueblo; y un curioso abogado que frecuentemente se dirige a la cámara para proporcionarle al espectador algún tipo de explicación acerca de ciertos sucesos que ocurren en el lugar.

Para mostrar el flujo de la vida tal cual es, el director ocupa este coral de personajes donde todos (y a la vez ninguno) son el protagonista. Esta enorme cantidad de personajes confluyen en un par de ocasiones: durante la celebración de la venida primavera, cuando todos se reúnen con el federale para celebrar el aspecto “romano” del estado fascista, y cuando todo el pueblo decide embarcarse para presenciar el paso del Rex, el gran transatlántico que durante el régimen fascista conquistó todos los records de velocidad en los cruces entre Italia y Norteamérica. Entre estos acontecimientos, Fellini nos presenta las vidas privadas de estos personajes, junto con exponer como sus actividades grupales están determinadas por el estado fascista en el que están inmersos. Para el director; “el hecho de vivir en un estado que tiende a la represión tiene como consecuencia de que las personas no logren desarrollar características individuales, solo defectos patológicos. Todos aquellos acontecimientos en los que el pueblo se reúne, son siempre ocasiones de total estupidez. Son solo rituales que los mantienen a todos juntos. Dado que ninguno de ellos posee un real sentido de responsabilidad individual, no tienen la fuerza para no formar parte del ritual”.

Fellini en más de una ocasión ha expresado su disgusto por las ideologías de cualquier tipo (las cuales él parece definir como una mentira diseñada para confundir a la gente común y corriente). Su rechazo hacia las instituciones autoritarias y sus ideas, se remonta a su infancia, vivida en medio del régimen fascista que gobernó en Italia. Durante los años formativos de Fellini, el gobierno fascista intentó con gran éxito y apoyo popular, regimentar prácticamente todos los aspectos de la economía, la política y la vida cultural de Italia. Incluso luego de la caída del régimen fascista y el establecimiento de una república democrática en medio de la liberación por parte de los aliados en Italia, las fuerzas dominantes que luchaban por el control del país representaban todo menos las filosofías liberales democráticas que supuestamente intentaban imponer. Todo esto dejó una huella en el director, la que se tradujo en que sus cintas presentaran temas relativos a la liberación del individuo de la red moral y las convenciones sociales en las cuales él creía, o más bien en las que él piensa que cree, las que inevitablemente lo limitan en todos los sentidos. Su creencia en la dignidad e incluso en la nobleza del ser humano, deriva en que Fellini no intente pregonar una formulada doctrina política, sino que más bien una clara aversión a todas las formas de control autoritario.

Fellini una vez definió a “Amarcord” como: “La historia sucede en lo que podría ser cualquier región de Italia en los treinta, bajo el control de la Iglesia y el Fascismo. Es el relato de la floja, impenetrable y encerrada existencia de las provincias italianas; de la perezosas, las poco visionarias y más bien ridículas aspiraciones enterradas ahí; la fascinante contemplación del mítico Rex mientras navegaba, inaccesible y inútil; el cine americano con sus falsos prototipos; del 21 de abril, el nacimiento de Roma. He aquí, fascismo, el entorpecimiento de la inteligencia, un condicionamiento que sofoca la imaginación y cualquier tipo de autenticidad. Porque el film es la historia de un pueblo, una metáfora de enclaustramiento que refleja todo lo que el fascismo fue, la forma de ser un fascista tanto psicológica como emocionalmente, por lo tanto, ser una persona violenta, ignorante, exhibicionista y pueril. Yo considero al fascismo como una degeneración a nivel histórico de una temporada individual (que es la adolescencia), donde el joven se corrompe a sí mismo y prolifera con la habilidad de evolucionar y convertirse en adulto... el fascista existe en todos nosotros. No podemos combatir en su contra sin identificarnos con nuestro ignorante, insignificante e impulsivo ser”.

“Amarcord” es una película con una construcción compleja, en la que Fellini disfraza la realidad transformándola en algo mucho más espectacular, donde las secuencias se suceden sin descanso, intercalando momentos hilarantes con otros más bien tristes o patéticos, acontecimientos de tipo colectivo con otros de carácter más individual, todo esto siempre teñido con toques de erotismo, sentido del humor y algo de magia, como si se tratara de un sueño. La fotografía de Giuseppe Rotunno y la excelente banda sonora de Nino Rota, son piezas fundamentales de la atmósfera nostálgica y onírica que construye Fellini. Por último la utilización de actores poco conocidos, ayuda a que el espectador se identifique más fácilmente con ellos. La película contiene un montón de escenas inolvidables y momentos maravillosos. “Amarcord” a fin de cuentas no pretende ser propaganda anti-fascista, sino que más bien podría definirse como el mundo donde todos nuestros recuerdos más importantes, nuestros miedos y represiones, nuestros sueños no cumplidos, y nuestra imaginación confluyen para maravillarnos. La historia se presenta como un capítulo de una vida, de cualquier vida, que Fellini deja abierto para que nosotros ingresemos en el curioso y entrañable mundo de los recuerdos.

por Fantomas.

Listado de películas por Década.

Por un problema con los links, aquí solo encontrarán la lista de los films reseñados en este sitio. Si quieren leer una reseña en particular, por favor recurrir a la herramienta de búsqueda del blog o al sistema de etiquetas.

Gracias.

1920-1929
Häxan (1922)
Faust (1926)

1930-1939
The Most Dangerous Game (1932)
The Thin Man (1934)
The Black Cat (1934)
39 Steps (1935)
The Devil-Doll (1936)
Think Fast, Mr. Moto (1937)
Thank You, Mr. Moto (1937)
The Lady Vanishes (1938)

1940-1949
The Maltese Falcon (1941)
Cat People (1942)
Saboteur (1942)
Shadow Of A Doubt (1943)
Gaslight (1944)
Lifeboat (1944)
Ministry of Fear (1944)
Arsenic And Old Lace (1944)
The Curse Of Cat People (1944)
Laura (1944)
Murder, My Sweet (1944)
The Woman In The Window (1944)
Spellbound (1945)
The Body Snatcher (1945)
Dragonwyck (1946)
It´s a Wonderful Life (1946)
Bedlam (1946)
Shock (1946)
The Stranger (1946)
The Dark Corner (1946)
The Lady From Shangai (1947)
Miracle On 34th Street (1947)
The Ghost and Mrs. Muir (1947)
Out of the Past (1947)
Crossfire (1947)
Lady in the Lake (1947)
The Paradine Case (1947)
The Street With No Name (1948)
The Big Clock (1948)
Rope (1948)
The Boy With Green Hair (1948)
Berlin Express (1948)
Whirlpool (1949)
Kind Hearts and Coronets (1949)

1950-1959
Winchester 73 (1950)
Stage Fright (1950)
Panic In The Streets (1950)
The Thing From Another World (1951)
The Day The Earth Stood Still (1951)
The Man From Planet X (1951)
Decision Before Dawn (1951)
The Man in the White Suit (1951)
Five (1951)
Strangers on a Train (1951)
I Confess (1952)
5 Fingers (1952)
Singin´ In The Rain (1952)
The Narrow Margin (1952)
The War Of The Worlds (1953)
It Came From Outer Space (1953)
The Beast From 20,000 Fathoms (1953)
Les Vacances de M. Hulot (1953)
Houdini (1953)
The Big Heat (1953)
Dial M For Murder (1954)
To Catch A Thief (1955)
Ensayo De Un Crimen (1955)
The Night Of The Hunter (1955)
Bad Day At Black Rock (1955)
The Man With The Golden Arm (1955)
The Quatermass Xperiment (1955)
The Trouble With Harry (1955)
Tarántula (1955)
I Vampiri (1956)
The Killing (1956)
Forbidden Planet (1956)
Le Ballon Rouge (1956)
The Blob (1956)
Invasion of the Body Snatchers (1956)
Bob le Flambeur (1956)
The Abominable Snowman (1957)
12 Angry Men (1957)
The Curse Of Frankenstein (1957)
The Incredible Shrinking Man (1957)
Quatermass 2 (1957)
Witness for the Prosecution (1957)
The Giant Claw (1957)
El Cebo (1958)
The 7th Voyage of Sinbad (1958)
Vértigo (1958)
Horror of Dracula (1958)
Plan 9 From Outer Space (1959)
Compulsion (1959)
The Hound Of The Baskervilles (1959)
North by Northwest (1959)
Caltiki, Il mostro Immortale (1959)
The Brain That Wouldn´t Die (1959)
Santa Claus (1959)

1960-1969
The Thousand Eyes of Dr. Mabuse (1960)
The Brides Of Dracula (1960)
Shoot the Piano Player (1960)
The Angry Red Planet (1960)
Midnight Lace (1960)
Peeping Tom (1960)
Mill of the Stone Women (1960)
Two Faces of Dr. Jekyll (1960)
Le Trou aka La Evasión (1960)
Fantasmi a Roma (1961)
The Pit and the Pendulum (1961)
The Curse of the Werewolf (1961)
Homicidal (1961)
One, Two, Three (1961)
Premature Burial (1962)
King King Vs Godzilla (1962)
Knife in the Water (1962)
The Phantom Of The Opera (1962)
La Commare Secca (1962)
Dr. No (1962)
Carnival of Souls (1962)
Captain Clegg aka “Night Creatures” (1962)
To Kill A Mockingbird (1962)
Panic In Year Zero! (1962)
Die Tur Mit Den 7 Schlossern aka The Door With The 7 Locks (1962)
The Pirates of Blood River (1962)
The Cabinet of Caligari (1962)
Kiss Of The Vampire (1963)
The Great Escape (1963)
The Raven (1963)
Charade (1963)
The Girl Who Knew Too Much (1963)
Black Sabbath (1963)
Jason And The Argonauts (1963)
From Rusia With Love (1963)
The Birds (1963)
Paranoiac (1963)
I Mostri aka Opiate ´67 (1963)
Man With The X-Ray Eyes (1963)
Twice Told Tales (1963)
The List of Adrian Messenger (1963)
Santo en el Museo de Cera (1963)
Das indische Tuch aka The Indian Scarf aka El Pañuelo Asesino (1963)
Goldfinger (1964)
The Killers (1964)
The Masque Of The Red Death (1964)
Sei Donne Per L´assassino (1964)
Strait-Jacket (1964)
The Tomb Of Ligeia (1964)
The Third Secret (1964)
Von Ryan´s Express (1964)
Lady in a Cage (1964)
Marnie (1964)
A Fistful of Dollars (1964)
Der Hexer (1964)
The Earth Dies Screaming (1964)
The Flowers and the Angry Waves (1964)
The Secret Invasion (1964)
The Comedy Of Terrors (1964)
Fantomas (1964)
Nightmare (1964)
The Evil of Frankenstein (1964)
The Gorgon (1964)
Zimmer 13 aka El Misterio Del Cuarto Número 13(1964)
Pierot Le Fou (1965)
El Encapuchado aka The Sinister Monk (1965)
The Hill (1965)
Dr. Terror´s House of Horrors (1965)
Thunderball (1965)
For A Few Dollars More (1965)
The Cincinnati Kid (1965)
Bunny Lake is Missing (1965)
The Ipcress File (1965)
The Nanny (1965)
The Face of Fu Manchu (1965)
Operation Crossbow (1965)
Rasputin, the Mad Monk (1966)
Island of Terror (1966)
The Good, the Bad, and the Ugly (1966)
Batman: The Movie (1966)
Torn Curtain (1966)
Blow-Up (1966)
Tokyo Drifter (1966)
One Million Years B. C. (1966)
The Witches (1966)
Cul-de-Sac (1966)
Queen of Blood (1966)
Funeral in Berlin (1966)
I Deal in Danger (1966)
Der Bucklige von Soho aka The Hunchback of Soho (1966)
Im Banne des Unheimlichen aka La Marca del Escorpión (1967)
Torture Garden (1967)
The Fearless Vampire Killers (1967)
Guess Who´s Coming to Dinner (1967)
The Trip (1967)
The Dirty Dozen (1967)
The Night of the Big Heat (1967)
You Only Live Twice (1967)
Quatermass and the Pit (1967)
Theatre Of Death (1967)
Der Mönch mit der Peitsche aka College Girls Murders (1967)
 "Se sei vivo spara" aka "Django Kill... If You Live, Shoot!" (1967)
The Devil Rides Out (1968)
Danger Diabolik (1968)
Planet Of The Apes (1968)
Dracula Has Risen From The Grave (1968)
Fando y Lis (1968)
Night of the Living Dead (1968)
Bullitt (1968)
Rosemary´s Baby (1968)
Hols: Prince of the Sun (1968)
The Odd Couple (1968)
The Mercenaries aka Dark of the Sun (1968)
Topaz (1969)
The Oblong Box (1969)
Gli Specialisti (1969)
Django il bastardo aka Strangers Gundown (1969)
On Her Majesty`s Secret Service (1969)

1970-1979
Il rosso segno della follia aka Hatchet for the Honeymoon (1970)
The Man Who Haunted Himself (1970)
The Bird With The Crystal Plumage (1970)
Scream and Scream Again (1970)
Cry Of The Banshee (1970)
Violent City aka The Family (1970)
Taste the Blood of Dracula (1970)
Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970)
Santa Claus Is Comin´ To Town (1970)
Vanishing Point (1971)
The Night Evelyn Came Out of the Grave (1971)
The Mephisto Waltz (1971)
Straw Dogs (1971)
Duel (1971)
Cat´O Nine Tails (1972)
Dirty Harry (1971)
The Beguiled (1971)
Murders in the Rue Morgue (1971)
Malpertuis (1971)
La Coda Dello Scorpione (aka Case of the Scorpion´s Tail) (1971)
The Abominable Dr. Phibes (1971)
Klute (1971)
The Big Boss (1971)
Short Night of Glass Dolls (1971)
Blood From the Mummy´s Tomb (1971)
Hands of the Ripper (1971)
The House That Dripped Blood (1971)
Dr. Phibes Rises Again (1972)
The Getaway (1972)
Fist of Fury aka The Chinese Connection (1972)
The Other (1972)
Lone Wolf And Cub: Sword Of Vengance (1972)
Dracula A.D. 1972 (1972)
Tales From The Crypt (1972)
Sleuth (1972)
Lisa and the Devil / The House of Exorcism (1972)
State Of Siege (1972)
Hanzo the Razor: Sword of Justice (1972)
The Eiger Sanction (1972)
Knife Of Ice aka Detrás Del Silencio (1972)
Vampire Circus (1972)
Fear in the Night (1972)
Santo vs La Hija de Frankestein (1972)
Fritz the Cat (1972)
The Way of the Dragon (1972)
Across 110th Street (1972)
Sitting Target (1972)
Tutti i colori del buio aka All The Colors Of The Dark (1972)
La Dama Rossa Uccide Sette Volte aka The Red Queen Kills Seven Times (1972)
Asylum (1972)
The Hot Rock (1972) 
Don´t Look Now (1973)
The Exorcist (1973)
Pánico En El Transiberiano (1973)
Scorpio (1973)
Theatre Of Blood (1973)
High Plains Drifter (1973)
Soylent Green (1973)
The Wicker Man (1973)
Enter The Dragon (1973)
Sisters (1973)
Amarcord (1973)
The Holy Mountain (1973)
Tony Arzenta aka Big Guns (1973)
Le grande bouffe aka La Gran Comilona (1973)
Westworld (1973)
Nothing But The Night (1973)
The Sting (1973)
Night Watch (1973) 
I corpi presentano tracce di violenza carnale aka Torso (1973)
Madhouse (1974)
Cani Arrabbiati  aka Kidnapped (1974)
L´oumo Senza Memoria (1974)
The Street Fighter (1974)
Young Frankenstein (1974)
Bring Me The Head of Alfredo Garcia (1974)
Las Garras de Lorelei (1974)
The Taking of Pelham One Two Three (1974)
Ransom aka The Terrorists (1974)
Deep Red (1975)
The Killing Machine (1975)
Nude per l´assassino aka Strip Nude For Your Killer (1975)
Il medaglione insanguinato aka The Night Child (1975)
Grizzly (1976)
The Omen (1976)
Roma A Mano Armada (1976)
¿Quién Puede Matar A Un Niño? (1976)
Assault On Precinct 13 (1976)
Family Plot (1976)
L´Aile ou la Cuisse aka Muslo o Pechuga (1976)
The Outlaw Josey Wales (1976
L`alpagueur aka El Cazador de Hombres (1976)
The Enforcer (1976)
The Sentinel (1977)
Suspiria (1977)
Demon Seed (1977)
Telefon (1977)
The Gauntlet (1977)
Death On The Nile (1978)
The 36th Chamber Of Shaolin (1978)
Una Mariposa Sobre La Espalda (1978)
Piranha (1978)
Someone´s Watching Me! (1978)
The Shout (1978)
The Fury (1978)
Heroes Of The East (1979)
Life Of Brian (1979)
El Castillo De Cagliostro (1979)
Zombie 2 (1979)
The First Great Train Robbery (1979)
Mad Max (1979)


1980-1989
Inferno (1980)
The Changeling (1980)
Macabre (1980)
The Final Countdown (1980)
Incubo sulla città contaminata aka Nightmare City (1980)
Outland (1981)
The Howling (1981)
Escape From New York (1981)
Scanners (1981)
The Burning (1981)
Dead And Buried (1981)
Escape to Victory (1981)
The Professional (1981)
The Hand (1981)
Happy Birthday To Me (1981)
Eyewitness (1981)
Wolfen (1981)
An American Werewolf in London (1981)
Fort Apache, The Bronx (1981)
Tron (1982)
First Blood (1982)
The Snowman (1982)
Evil Under The Sun (1982)
The Entity (1982)
The Thing (1982)
Basket Case (1982)
Creepshow (1982)
Missing (1982)
Poltergeist (1982)
The New York Ripper (1982)
Deathtrap (1982)
Videodrome (1983)
Gorky Park (1983)
Streets of Fire (1984)
The Ghostbusters (1984)
The Terminator (1984)
Macross: Do You Remember Love? (1984)
Silent Night, Deadly Night (1984)
The Last Starfighter (1984)
Phenomena (1985)
Re-Animator (1985)
Police Story (1985)
Lifeforce (1985)
The Holcroft Covenant (1985)
Hold-Up (1985)
Blue Velvet (1986)
The Name Of The Rose (1986)
The Hitcher (1986)
¿Quién es el Onceavo Pasajero? aka They Were Eleven (1986)
Manhunter (1986)
Aliens (1986)
Angel Heart (1987)
Prince of Darkness (1987)
Tras El Cristal (1987)
The Monster Squad (1987)
Bad Taste (1987)
Deliria aka Stage Fright (1987)
My Best Friend is a Vampire (1987)
Near Dark (1987)
The Believers (1987)
The Grave Of The Fireflies (1988)
Mi Vecino Totoro (1988)
Cinema Paradiso (1988)
Scrooged (1988)
Akira (1988)
Demon City (1988)
Without A Clue (1988)
Monkey Shines (1988)
Santa Sangre (1989)
Laurin (1989)
Meet The Feebles (1989)
National Lampoon´s Christmas Vacation (1989)
Tetsuo, The Iron Man (1989)
Warlock (1989)
The Killer (1989)

1990-1999
Total Recall (1990)
Quick Change (1990)
Flatliners (1990)
Delicatessen (1991)
Hard Boiled (1992)
Porco Rosso (1992)
Army of Darkness (1992)
Groundhog Day (1993)
The Nightmare Before Chritsmas (1993)
Heavenly Creatures (1994)
Ghost In The Shell (1995)
Citizen X (1995)
Black Jack (1996)
The Devil´s Advocate (1997)
Perfect Blue (1997)
Nigthwatch (1997)
Gattaca (1997)
Absolute Power (1997)
The Relic (1997)
Seul contre tous aka Solo Contra Todos (1998)
Dark City (1998)
The Ninth Gate (1999)
The Iron Giant (1999)

2000-2009
Battle Royale (2000)
Vampire Hunter D: Bloodlust (2000)
Barking Dogs Never Bite (2000)
The Cat Returns (2002)
Close Your Eyes (2002)
Oseam (2003)
Tokyo Godfathers (2003)
Swimming Pool (2003)
Howl´s Moving Castle (2004)
Shaun Of The Dead (2004)
Ghost In The Shell 2: Innocence (2004)
Millions (2004)
Kiss Kiss Bang Bang (2005)
Triad Election (2006)
Princess (2006)
Hot Fuzz (2007)
Sunshine (2007)
Sword of the Stranger (2007)
Going by the Book (2007)
Hansel and Gretel (2007)
Sky Crawlers (2008)
Ponyo on the Cliff by the Sea (2008)
Ip Man (2008)
Vengeance (2009)

2010-2019
Batman: Under the Red Hood (2010)
Un Cuento Chino (2011)
Robot & Frank (2012)
Grand Piano (2013)